Con cuerpo y alma
Por Maritza Gueler (USA)

Transitó por todos los lenguajes y por todos los estilos. Se convirtió en ídolo indiscutible de la danza clásica durante más de dos décadas. Pasó de los fulgores de Hollywood a la soledad de la investigación y la experimentación. Mikhail Nikolayevich Baryshnikov, uno de los bailarines más destacados en la historia de la danza, considerado por algunos como el mejor del siglo, junto a Rudolph Nureiev y Vladimir Vassiliev, nació en Riga, capital de Letonia, por entonces, parte de la Unión de las Repúblicas Socialistas Soviéticas.

En el otoño de 1989, Baryshnikov comenzó a conversar con el coreógrafo Mark Morris sobre la idea de hacer un pequeño grupo de danza para recorrer el mundo con espectáculos de danza moderna. Un año después, en 1990, el White Oak dance Project hizo su debut en Boston y luego continuó un recorrido por diecisiete ciudades de los Estados Unidos. Desde entonces, hasta el 2001 la compañía lleva más de cuarenta giras con un total de 600 espectáculos en alrededor de treinta países.
Baryshnikov y Morris optaron por un camino de búsqueda creativa a través de una idea artística alejada de los reclamos del mercado comercial del arte. El White Oak Dance Project implicó un nuevo desafío para el bailarín. Un proyecto relacionado con el arte llamado de cámara que apuntaba a los resortes emocionales del creador y del espectador.

A partir de mayo de este año, la "trouppe" comenzó una gira por los Estados Unidos para luego seguir rumbo a Europa y algunas ciudades de Sudáfrica. (Ver recuadro) El programa incluye, entre otras, obras de Lucinda Childs, Sarah Michelson, John Jasperse.

Durante estos doce años, el White Oak Dance Proyect, viene explorando nuevos lenguajes de la danza moderna, un trabajo que reúne bailarines, músicos y coreógrafos que intentan descubrir nuevas alternativas estéticas relacionadas con el movimiento y la puesta en escena. La visión artística de Baryshnikov se basa en la diversidad, la amplitud de posibilidades, la curiosidad y el deseo de seguir adelante.

El nombre de este proyecto surgió a modo de homenaje o referencia a la plantación de 75.000 acres, situada en Florida (Georgia), que pertenecía a uno de los patrocinadores y amigo personal de Baryshnikov, Howard Gilman. La compañía, tiene a su vez una estructura particular en la que las funciones operativas del grupo están estrictamente repartidas y no existen las jerarquías. Está gestada con una concepción absolutamente democrática y una base comunitaria en cuanto a la toma de decisiones.

Mikhail Baryshnikov y Raquel Aedo. El White Oak Dance Project en una nueva gira mundial. Foto: Archivo

En todos estos años de trabajo, el White Oak Dance Project produjo coreografías de grandes maestros como también de jóvenes creadores. David Gordon, Neil Greenberg, Lucy Guerin, John Jasperse, Las Lubovitch, Mark Morris, Tere O’Connor, Jerome Robbins, Twyla Tharp, Paul Taylor, Lucinda Childs y otros forman parte del grupo de coreógrafos que realizaron obras para este proyecto.

Talentoso, como para devenir en leyenda, Baryshnikov comenzó a estudiar ballet cuando tenía 12 años y al poco tiempo entró en la escuela Vaganova de San Petersburgo. Allí estudió con el célebre Alejandro Pushkin. En 1968 Baryshnikov ingresó al Ballet Kirov como solista para convertirse, en poco tiempo, en primer bailarín de la compañía. En 1974, durante una gira del Kirov en Toronto, Canadá presentó su solicitud de asilo político.

En los Estados Unidos, fue "principal dancer" del New York City Ballet desde 1979 hasta 1980, y desde entonces hasta 1989, formó parte del American Ballet Theatre, compañía en la que también fue director artístico.

Su carrera como bailarín y sus habilidades como actor lo llevaron a las puertas de Hollywood a través de películas que, en algunos casos, fueron memorables para los amantes de la danza. Tal es el caso de "The Turning Point" (1977), protagonizada a su vez por Shirley MacLaine y Anne Brancroft. "White Nights" (1985), lo introdujo en el juego de representar parte de su propia experiencia personal cuando tomó la decisión de escapar de la Unión Soviética y transformarse en un refugiado político. Tal vez uno de los refugiados más emblemáticos de occidente, dada su trayectoria y su talento. "That's Dancing!" (1985), "Dancers" (1987) y "Company Business" (1991), formaron parte de sus trabajos cinematográficos.

Mikhail Baryshnikov, nació un 28 de enero de 1948, en una ciudad donde la cultura y el arte formaban parte activa de la comunidad. A los 54 años, alejado desde hace tiempo de los espléndidos recursos del teatro musical, el bailarín opta por el arte despojado a través del cual el cuerpo se convierte en receptor y transmisor de una experiencia irrepetible.

Mitos y leyendas
Por Rosa C. Corral (Holanda)

Al igual que en las anteriores ediciones del Werld Muziek Theater Festival (Festival Etnico de Música y Teatro) la danza juega un importante papel. El objetivo principal de este encuentro es acercar a los holandeses a producciones que forman parte de la actualidad teatral en otros países.

Las representaciones, que se realizaron desde el 9 de marzo al 20 de abril, abarcaron veintiséis teatros de Holanda y Bélgica. Entre subsidios de entidades oficiales y otros patrocinadores, el festival contó para esta edición con un presupuesto de 1.500.000 euros, cantidad suficiente para montar seis producciones de diferentes países: Brasil, Argentina, Sudáfrica, India, Indonesia y Japón. Tres de ellas, surgidas bajo el auspicio y encargo del festival, son estrenos absolutos. Integraron esta muestra "Safari", de Sudáfrica, "Orestes", de la Argentina, "Dancing Shadows", de Indonesia, "Roopmati", de la India, "Mama Africa", de Brasil y "Kagami Jishi", de Japón. El festival, a su vez, organizó actividades paralelas como talleres, conferencias y demostraciones.

"Roopnat"es un viejo cuento de la historia hindú. El grupo Birju Maharaj & kalashram Dancers de Nueva Delhi relata -en una embrujadora simbiosis de música instrumental, canto, teatro y danza- la trágica historia de Roopmati y su enamorado Baz Bahadur cuya relación no es aprobada por sus familias por pertenecer a diferentes religiones.

El director y coreógrafo Birju Maharaj lleva a su vez la batuta de la pequeña orquesta de instrumentos tradicionales hindúes: persusión, sitar y sarangi (una clase de vihuela) y tres cantantes. El estilo de danza en "Roopmati" es el Kathak (derivado de la palabra "katha" que significa "relatar"), una de las siete danzas clásicas del norte de la India. Esta modalidad se caracteriza por la sutil y compleja técnica rítmica de los pies descalzos, las rápidas vueltas, el gesto, la mímica y la postura finísima.

"Orestes Last tango" pertenece al grupo de obras creadas por encargo del festival, dirigida por Beatriz Gambartes, quien también escribió el guión sobre la novela "El reñidero" de Sergio de Cecco. La música y danza del tango juegan un papel primordial en la obra. Dos mujeres, Elena (Julia Zenko) y su madre Nélida (Susana Moncayo) llevan la trama de la historia. La coreografía es de Oscar Araiz y la música es de Diego Vila.

Entre los invitados al festival algunos se ciñeron estrictamente a la tradición. Otros la utilizaron como base y añadieron fórmulas artísticas contemporáneas. Este es el caso del Balé Folclórico da Bahia procedente de San Salvador de Bahia, Brasil. La cultura de la zona acusa una notable influencia de las formas africanas, de ahí el título -"Mama Africa"- de la producción que el director del festival, Huib Haringhuizen, seleccionó para esta edición.

Las danzas están inspiradas en cuentos y leyendas populares. La compañía, fundada hace quince años por Walson Botelho, está formada por treinta y siete integrantes: diecisiete bailarines, cinco músicos, cinco percusionistas y dos cantantes. La euforia que trasmiten estos artistas, la percusión de complicadísimos ritmos, las danzas, los cantos, la increíble fantasía, la exhuberancia y colorido del vestuario provocó lo nunca visto: que un teatro con novecientos holandeses -tan sensatos y juiciosos-, terminaran todos bailando.

En el Japón un espectáculo de "kabuki" dura todo el día, lo que significa que además de ser danza, teatro y música, es una fiesta. El ambiente en un teatro holandés es muy diferente. La obra "Kagami Jishi" dura alrededor de una hora, interpretada por la compañía Nagoya Musume Kabuki compuesta por cuarenta artistas, todas mujeres, lo que implica que los roles masculinos igualmente corren a su cargo. De esta forma, la compañía, devuelve al kabuki una de sus principales características: la participación femenina, tal como fue en sus inicios hasta la prohibición (desde 1629 hasta 1868) que eliminó a las mujeres de esta disciplina para convertirla en una expresión netamente masculina. En algunas escenas se incluye el "bunraku" o danza de marionetas, interpretado por las mismas bailarinas quienes ejecutan los movimientos como si fueran de madera.

El telón se cerró hasta la próxima y cuarta edición del Werld Muziektheater Festival que se realizará en el 2004.

AileyCamp, una propuesta que permite que los niños tomen contacto con el arte y con su mundo interior. Gentileza: Cal Performances UCBerkeley.

Allá por 1989, Alvin Ailey y la asociación Kansas City Friends of Alvin Ailey gestaron un proyecto a través del cual la danza se convertiría en vehículo de transformación. AileyCamp está dedicado a niños de 11 a 14 años que pertenecen a familias de bajos recursos económicos. La participación es gratis e incluye desayuno, almuerzo, uniformes de trabajo, ropa de danza y, en algunos casos, transporte a los barrios correspondientes.

Los objetivos de este programa se fundan en reafirmar la autoestima, la auto disciplina y los aspectos creativos de los participantes quienes estarán, durante seis semanas, sumergidos en un ambiente donde el arte es protagonista. Clases diarias de técnica de ballet, danza moderna, jazz, danzas africanas y folklóricas forman parte de este plan en el que también se incluye un entrenamiento para participar en espectáculos y comunicación creativa a través de clases de escritura, poesía, fotografía y arte.

La intención es introducir a los estudiantes en un ambiente que les permita descubrir sus propios talentos. Desde el perfil del desarrollo integral del niño, el AileyCampus ofrece a su vez, orientación en cuanto a nutrición, resolución de conflictos, prevención contra el abuso de drogas, toma de decisiones y establecimiento de objetivos personales.
Desde su inicio, el AileyCamp realiza estos encuentros de verano en seis ciudades del país, Nueva York, Kansas City (Missouri y Kansas), Bridgeport, Boston y Chicago.

Este año se ha agregado la ciudad de Berkeley, organizado por Cal Performances. Una coincidencia que no es obra de la casualidad dado que la Alvin Ailey American Dance Theater (AAADT) es una de las compañías que más presentaciones realiza en el Zellebach Hall de UCBerkeley.

La organización de este campamento cultural en el que participarán alrededor de setenta y cinco alumnos de los distritos escolares de Berkeley y Oakland, formó parte de un plan que viene gestándose desde hace varios años. "Cal Performances -comenta Robert Cole, director de Cal Performances- patrocina permanentemente actividades educativas con bailarines de la (AAADT). Por otra parte, AileyCamp ofrece clases de arte que tendrán un gran impacto en estos jóvenes estudiantes, dado que es poco frecuente encontrar una propuesta integral que contenga aspectos sociales y artísticos al mismo tiempo."

Las actividades se realizarán en el Zellebach Hall de UCBerkeley, como también en las instalaciones de los alrededores de la universidad. "El área de la Bahía de San Francisco, nos recibe año tras año -apunta Judith Jamison, directora artística de AADT-. Allí nos sentimos como en nuestra casa. Creo que el AileyCamp profundizará aún más nuestros vínculos con esta comunidad. No obstante, lo más importante es que la juventud se beneficiará con el legado de Alvin Ailey. Usar la danza como medio de expresión será un camino para aprender quiénes son y al mismo tiempo, para descubrir un nuevo mundo dentro de sí mismo. Un mundo que los guiará durante su vida."

Días de danza en Cuba
Por Mercedes Borges Bartutis (Cuba)*

Se dice que la danza es la forma más antigua de todas las artes. En sus inicios fue una expresión espontánea de la vida colectiva. En las civilizaciones antiguas la danza era un medio esencial de participar en las manifestaciones del sentido emocional de la tribu. Se danzaba para curar a un enfermo o para obtener una buena caza. Con el tiempo la danza fue codificándose hasta llegar a las expresiones que se conocen hoy.

Jean George Noverre escribió en 1759 sus "Cartas sobre la danza", que con el paso del tiempo se convirtieron en un manifiesto de los grandes cambios acaecidos en la danza años después. La comunidad mundial hizo justicia al escoger el 29 de abril, fecha de natalicio de Noverre en 1727, como el Día Internacional de la Danza.

En Cuba se celebra esta fecha desde 1994, con una temporada que se llama "Los Días de la Danza", organizada por el Consejo Nacional de las Artes Escénicas. En esta oportunidad, durante todo el mes de abril, se presentaron importantes agrupaciones de la capital cubana, en dos sedes: el Teatro Mella y la sala Covarrubias del Teatro Nacional de Cuba. También en otras ciudades del país se realizaron funciones con agrupaciones locales y otras invitadas.

Estos días de la danza sirvieron de escenario para celebrar las galas por los 40 años del Conjunto Folklórico Nacional, el Ballet de la Televisión Cubana, y la Enseñanza Artística en Cuba.

Entre las compañías extranjeras invitadas estuvieron Provisional Danza y la Compañía de Manuela Nogales, ambas de España. Por su parte los colectivos cubanos estuvieron representados por DanzAbierta, dirigido por Marianela Bona, Danza Combinatoria, que guía Rosario Cárdenas y la Compañía Retazos, encabezada por Isabel Bustos.

Premio Nacional de Danza

Desde 1998, el Ministerio de Cultura de Cuba entrega el Premio Nacional de Danza, que en su primera oportunidad le fue conferido a Alicia Alonso, directora general del Ballet Nacional de Cuba. En 1999, el premio recayó en manos de Ramiro Guerra, fundador de la danza moderna en Cuba. Luego, en el 2000, le correspondió al maestro Fernando Alonso, y en el 2001, al coreógrafo Eduardo Rivero. En este año se lo otorgaron a Rogelio Martínez Furé, etnólogo e investigador de folklore cubano. La ceremonia de entrega del Premio Nacional de Danza se realizó el 29 de abril en una gala en el Teatro Mella.

El pueblo cubano, bailador por naturaleza, celebró estos días de danza, con la certeza de que el movimiento profesional de danza de la isla guiará a su público por los mejores caminos.

	El cantante Carlos Morel y toda la compañía que integra "Malambo", el espectáculo dirigido por Luis Bravo que permanecerá en cartel en San Francisco hasta el 19 de junio. Foto: Marty Sohl.

Una combinación de folklore argentino, tango y flamenco cuya coreografía surge de los propios bailarines se funde misteriosamente en "Malambo", el nuevo espectáculo gestado e ideado por Luis Bravo que tuvo su estreno mundial en el Theatre on the Square, en San Francisco. El mismo lugar donde se presentó por primera vez el exitoso show "Forever Tango", también de su autoría. Treinta bailarines en escena, el diseño de luces a cargo de Bravo, el vestuario de Argemira Affonso y la dirección musical de Lisandro Adrover forman parte de "Malambo".

Si bien Bravo tiene a su cargo la dirección general, en esta oportunidad convocó a Oscar Araiz para que se ocupara de hacer la armonización y supervisión general del espectáculo. El coreógrafo, actual director del Ballet del Teatro Argentino de La Plata, fundador del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín de Buenos Aires y ex director del Ballet del Teatro de Ginebra (Suiza), ha incursionado innumerables veces en el ámbito del music hall y de la danza con humor. No obstante, su trayectoria profesional está identificada dentro del ámbito de la danza contemporánea a través de realizaciones memorables.

"Malambo" hace referencia a una danza originada en el 1600 que se caracterizaba por el virtuosismo y el contrapunto provocado entre los bailarines. El malambo es una danza individual de zapateos, enérgica y varonil, reservada exclusivamente a los hombres. Se bailaba especialmente en la zona pampeana, central y en el norte. En esta propuesta, Bravo introduce el tango, estilo posterior que se bailó, en sus comienzos, en la zona del Río de la Plata, y el flamenco, un baile heredado de España.

Cuando este espectáculo comenzó a gestarse, Bravo viajó a Buenos Aires, reclutó algunos bailarines y comenzó los ensayos en un teatro del interior del país. Su primera conversación con Araiz se limitó a proponerle que ideara un final para "Malambo". Así comenzaron a trabajar juntos. "Mi influencia dentro del espectáculo -afirma Araiz- es sobre la estructura general en términos narrativos, especialmente en los momentos más anecdóticos, donde he tratado de darle fuerza a la imagen. Si bien es una imagen lejana a la mía, plena de color y efectos como debe ser un show, la tarea es muy atractiva. Me encanta la forma de trabajo porque surge de la ausencia de preconceptos y se arriesga de una manera muy inocente al combinar todos esos elementos. Esa fusión y esa forma, también es algo que me atrae porque es algo que también estoy tratando de realizar en otros espectáculos que estoy haciendo en la Argentina, como por ejemplo, 'Cabalgata'."

En "Malambo" podría arriesgarse una especie de argumento o hilo conductor en el que los protagonistas son dos representantes de los diferentes estilos que predominaron en la Argentina de otras décadas. El folklore, a través de Juan Saavedra y el tango, en la figura de Juan Gavito. Una disputa entre ambos podría interpretarse como el eje argumental del espectáculo.

"Estas fusiones de lenguajes -continúa Araiz- son una beta interesante, si bien es peligroso porque pueden ser fatales. En este trabajo hay algo de alquimia, y esta fórmula de espectáculo comercial entre comillas, me hace sentir muy cómodo. Cada bailarín es especialista en lo suyo y eso permite nuevos matices. De esta manera, Luis Bravo propuso hacer un cuadro basado en el primer movimiento del ‘Concierto para cello’ de Dmitri Shostakovich y junto con eso se superponen ritmos flamencos. Y funciona! Así como podría no funcionar. Eso es riesgo y es una jugada muy interesante. Es bueno estar entre límites, especialmente, cuando los límites no están muy definidos. En esos casos aparecen imágenes muy ricas de movimiento y clima, sin contar una historia completa."

El Ballet de Alberta, una de las cuatro compañías más importantes de Canadá, formada por veintitrés jóvenes profesionales, presentó en el Queen Elizabeth Theatre, de Vancouver, "La dama de las camelias". La coreografía estuvo en manos del polifacético Val Caniparoli, admirado por sus habilidades innovadoras y dramáticas, quien integró el ballet de San Francisco desde 1973. El complemento perfecto llega con Robert Glay de la Rose, antiguo diseñador del Metropolitan Opera House, a través de un vestuario donde predominan el bronce y la plata, y de decorados que alternan la simplicidad con pomposos ornamentos. Estos elementos consiguen transportar al espectador a la época en la que sucedió esta historia.

En 1844, Alejandro Dumas inició su romance con Marie Duplessis, quien murió tres años más tarde. Dumas plasmó lo sucedido en la dramática historia de Margarita Gauthier, una bella cortesana que se enamora de un atractivo e inocente hombre de mundo, Armand, en el momento en que está condenada a morir de tuberculosis.

"La Travista", título que Verdi estrenó el 6 de mayo de 1854 en el San Benedetto de Venecia es la versión operística de "La dama de las camelias" escrita por Dumas. No obstante, el músico no logró verla tal y como la había concebido hasta su muerte en 1901. El estreno provocó no poco revuelo en su momento y fue considerado escandaloso, dado que Verdi quería poner en los escenarios de ópera algo nuevo y diferente para provocar a la hipócrita burguesía europea.

El cine también se adentró en esta historia de amor. Lucchino Visconti tuvo a María Callas (quizá la mejor Violetta de la historia) como protagonista de la ópera de Verdi. Tiempo después, Teresa Stratas junto a Plácido Domingo hizo una estupenda interpretación en película de Franco Zeffirelli.

A las óperas llevadas al celuloide se agregaron también versiones actorales de la novela. La protagonizada por Greta Garbo contó con el tratamiento efectivo y elegante que Cukor le imprimió a su dirección, motivo por el cual logró un fuerte impacto en varias generaciones que aún admiran su emotividad y perfección.

En danza, la mejor Marguerite fue protagonizada por Margot Fontaine junto a Rudolf Nureyev en 1983. Diez años más tarde se destacó la de Mikhail Baryshnikov. También el Ballet de Japón, en l987, llevó a escena "La dama de las Camelias".

La música de Chopin, interpretada por la Vancouver Opera Orchestra y dirigida por Sara Jobin, apasionada, compasiva y bella, mantiene el romanticismo de la pieza.

La propuesta de Caniparoli está compuesta en tres actos. En el primero, el joven burgués declara su amor a la cortesana, en el segundo irrumpe la moral burguesa en la figura del padre y, finalmente, el reencuentro de los amantes, el perdón y la muerte. Una obra en la que los pas a deux aumentan el drama. No obstante, la pasión y el dolor tienen su punto culminante en el tercer acto, donde Marguerite, Melanie Atkins, agoniza ante su tocador y se desmaya. El poder emocional que consigue dicha escena y la sintonía de movimientos hacen posible la expresión de sentimientos que raramente pueden ser capturados en palabras.

DANZA CON SALUD
Lesiones frecuentes de la columna lumbar
(Parte II)
Por: Alejandro González Della Valle

En el número anterior de Danza en Español podrás consultar:
Cómo funciona la columna lumbar, ¿Por qué la columna lumbar?, Dolor lumbar y Automedicación.

La degeneración de los discos intervertebrales y las hernias de disco lumbares son dos condiciones que se asocian frecuentemente con dolor lumbar. No obstante, existen otras lesiones que, aunque menos frecuentes, pueden producir dolor y comprometer el rendimiento del bailarín. Por otra parte, la automedicación, la consulta tardía a un profesional o un apresurado retorno a la actividad física de alto rendimiento pueden predisponer a complicaciones y recaídas.

Degeneración de uno o más discos intervertebrales

El disco intervertebral que absorbe gran parte del impacto producido por la carga de la columna, es una estructura formada por cartílago fibroso en la periferia y con un núcleo central constituido por un tejido de aspecto gelatinoso. En el disco normal, el contenido de agua es muy elevado (cercano al 70-80%). El alto contenido de agua, conjuntamente con la propiedades físicas de cartílago del disco, le permiten tener una altura y una resistencia a la compresión óptimas, que lo hacen funcionar de manera similar a la de un amortiguador de automóvil. Sin embargo, el disco puede enfermar y degenerarse, por causas aún desconocidas. Las consecuencias de la degeneración del disco son la alteración de su estructura química y la disminución de su contenido de agua. Todo ello reduce su capacidad funcional, su elasticidad y su altura. Estos cambios se pueden ver en la resonancia magnética (Figura 2).

El diagnóstico de disco intervertebral degenerado no debe producir una gran ansiedad en el bailarín. Descubrir en una resonancia magnética que uno o más discos están degenerados, no significa que sean la causa del dolor.
Se ha demostrado que la posibilidad de tener degeneración de discos lumbares aumenta notablemente con la edad. Aproximadamente, el 6% de las personas menores de 20 años, que no han tenido dolor lumbar significativo durante su vida, tienen degeneración de uno o más discos intervertebrales. El porcentaje aumenta a 30% en personas entre 21 y 40 años -segmento en el que se encuentra la mayoría de los bailarines profesionales-, y a 80% en mayores de 60 años. Esto significa que si eres un adulto joven, probablemente uno de cada cuatro de tus compañeros de clase o de tu compañía tengan uno o más discos lumbares degenerados.
También es frecuente que pacientes con dolor lumbar crónico, sin otros síntomas, tengan resonancias magnéticas normales. Por ello, la sola presencia de un disco degenerado, no es suficiente evidencia de que esa sea la causa de dolor, y definitivamente no indica la necesidad de una cirugía de columna.

Mediante un meticuloso interrogatorio y examen físico, al que se suma el análisis de los hallazgos en las radiografías simples de columna, el médico puede determinar si una resonancia magnética de columna será beneficiosa o si por el contrario, confundirá el diagnóstico y te agregará mayor ansiedad.

Hernia de disco lumbar

En los discos degenerados, el material gelatinoso del núcleo puede escapar por fuera de los límites normales del disco y formar una "hernia de disco" (Figura 3). La incidencia anual de hernias de disco en la población que tiene entre 20 y 64 años es del 0,1 al 0,5% anual. Esto significa que cada 1.000 personas de este grupo, se diagnosticará una hernia de disco en una proporción de 1 a 5 por año.

La mayoría de las hernias se observan en la columna lumbar baja donde el canal vertebral es ancho y la gran mayoría de los nervios han salido ya de la columna. Debido a ello estas hernias producen, en general, pocos o ningún síntoma.

Al igual que lo que ocurre con un disco degenerado, se puede vivir toda la vida con una hernia de disco y si esta no ocasiona síntomas, nunca se sabrá. La historia natural de la hernia de disco lumbar es generalmente excelente y es frecuente la reabsorción y desaparición de gran parte del material herniado durante los años siguientes.

Sin embargo, en función de su volumen y localización, la hernia puede comprimir nervios en el canal vertebral o que salen de la columna por el agujero de conjunción correspondiente. En ese caso, se observa irritación de los nervios periféricos, con dolor, adormecimiento de la piel y debilidad muscular. El tipo de dolor estará determinado por el nivel en que se encuentre la hernia, por ejemplo, ciática.

A pesar del cuadro alarmante y la angustia de un bailarín que comienza con dolor lumbar irradiado hacia la pierna o muslo, la gran mayoría de las hernias de disco sintomáticas pueden ser tratadas sin cirugía. La cirugía se indica en pacientes con gran dolor que no responden a un tratamiento analgésico y de rehabilitación adecuados. Después de una cirugía de hernia de disco simple, los bailarines pueden esperar frecuentemente una recuperación total después de pocos meses, ayudados por un equipo de rehabilitación entrenado.

Síndrome de las facetas articulares

La articulación y el movimiento entre dos vértebras adyacentes dependen del adecuado estado y funcionamiento del disco intervertebral que las separa, los ligamentos, los músculos y también, de dos pequeñas articulaciones en la parte posterior de las vértebras (articulaciones facetarias). Estas pequeñas articulaciones están expuestas a una gran exigencia durante los movimientos extremos de la columna, particularmente durante los movimientos forzados de rotación, flexión y extensión, tan frecuentes durante la danza. Esto predispone a su desgaste precoz (artrosis) y son una causa potencial de dolor. Mediante estudios complementarios como la tomografía axial computada es posible detectar estos cambios e iniciar un tratamiento. Muchas veces, el tratamiento analgésico acompañado de kinesiología puede ser suficiente. En algunos casos, es posible inyectar analgésicos y antiinflamatorios directamente en esas pequeñas articulaciones mediante agujas que son guiadas con precisión con la ayuda de tomografía axial computada (Figura 4). Este sencillo procedimiento, que no requiere internación, tiene una utilidad doble: si los síntomas ceden con la inyección, su médico tendrá una alta sospecha de que el dolor se origina en esa faceta; la segunda es que el tratamiento con medicación analgésica puede eliminar el dolor y permitir el rápido retorno del bailarín a la actividad.

En el próximo número de Danza en Español:

Más información sobre los problemas de la columna lumbar en los bailarines:

• Fracturas por estrés.
• La rehabilitación kinesiológica.

Nota: Los contenidos de este artículo tienen como objetivo informar al lector. No deben ser utilizados por pacientes, médicos u otros profesionales con fines diagnósticos o terapéuticos de ningún síntoma o enfermedad. Las opiniones incluidas en este artículo no sustituyen la consulta y examen de un profesional especializado. El autor y Danza en Español no se responsabilizan por la utilización inadecuada por parte de los lectores sobre de los contenidos expuestos en este informe.