De aquí y de allá
Por Maritza Gueler (USA)

Inmigrantes de diferentes países, con sus tradiciones, sus recuerdos y su cultura, fueron llegando al área de la Bahía de San Francisco desde mediados del siglo XIX para comenzar a escribir una nueva historia en esta región. A partir de ese momento se inició un proceso de asimilación e integración de estos grupos. Cada uno de ellos había dejado sus países de origen por razones y motivaciones distintas, con la esperanza de encontrar un futuro mejor para sus familias. A su llegada, comenzaron a formar comunidades independientes, como una forma de mantener el acervo cultural y al mismo tiempo, hacer menos doloroso el destierro.

En tiempos no tan remotos, nuevos grupos migratorios volvieron a cambiar el perfil de la ciudad y sus alrededores. Mas allá de asimilarse a las formas de vida del nuevo lugar, muchos de ellos, aún hoy, tratan de preservar el legado de sus antepasados: su idioma, su religión, sus danzas populares, su música, su gastronomía y sus vestimentas.

Desde hace 24 años World Arts West, entidad encargada de promover la herencia étnica y cultural de las distintas comunidades, organiza un encuentro que convoca a esta diversidad de culturas a través del San Francisco Ethnic Dance Festival. Tres fines de semana a toda música y danza. El festival comienza hoy, 15 y finaliza el 30 de junio (Ver recuadro).

Esta celebración anual de las danzas folklóricas, que se inició en 1978 con apenas quince compañías residentes en la zona, presenta este año treinta grupos de diferentes orígenes étnicos afincados en el área de la Bahía. Cada uno de ellos, dispuesto a mostrar la belleza de las danzas y los trajes típicos de las regiones a las que pertenecen sus familias.

Reconnect and Haitian Culture Association Club (Haiti) uno de los grupos que se presentará en el segundo fin de semana del festival. Fotos: Marty Sohl - Gentileza de World Arts West

Durante estas veinticuatro ediciones pasaron por el festival alrededor de 675 ensambles y solistas, quienes viven la danza como una pasión que les permite conectarse con sus propias raíces. A la selección previa se presentan más de 150 compañías en busca de la oportunidad de poder mostrar sus trabajos frente a un público que, rigurosamente, asiste todos los años.

Por primera vez, desde la creación de este encuentro, los organizadores decidieron hacer una fusión entre el San Francisco Ethnic Dance Festival y el San Francisco World Music Festival. Uno de los aspectos distintivos de esta nueva edición es la incorporación de grupos del exterior. Hecho inédito hasta este año. En función de esta innovación, llegarán al escenario del Palace of Fine Arts el grupo indígena Elvel, de la península de Kamchatka (localidad cercana a Siberia), que traerá, en su primera presentación en los Estados Unidos, la más pura tradición shamánica de danza y canto. Junto a ellos, los Sabjilar, trío familiar de la región de Asia Central, interpretará música nativa.

Flamenco, danzas árabes, mexicanas, peruanas, brasileras, haitianas, balinesas, artes marciales de la China, danzas de Afganistán, Grecia, Zimbabwe y Cuba son algunas de las propuestas que desfilarán durante el transcurso del festival. Desde la sencillez de un baile aldeano a la suntuosidad de las danzas palaciegas, cada uno de los protagonistas contará una historia diferente relacionada con sus propios orígenes.

Rock en puntas
Por Joaquín Arias (España)

La llegada de la danza contemporánea, que reaccionaba con desdén ante la zapatilla de punta, supuso una ruptura con todos los cánones clásicos anteriores. Esta distancia entre ambas se mantuvo durante todo el siglo XX y, hasta ahora, parecía algo insalvable. Sin embargo, con la entrada del nuevo siglo una joven compañía española, el Ballet David Campos, ha encontrado el camino intermedio entre ambas; logró evolucionar más allá del neoclasicismo y adentrarse a las nuevas tendencias actuales a través de coreografías singulares y atrevidas que entremezclan elementos tan contrapuestos como la técnica clásica y el rock duro. Fundada y dirigida desde hace poco más dos años por David Campos e Irene Sabas, ex bailarines solistas del Ballet Real de Flandes (Bélgica), la compañía ha abierto una nueva vía entre la belleza, la perfección de las formas clásicas junto a la expresión y la sensibilidad de la danza contemporánea.

Este ballet surge por la necesidad de crear una compañía de danza compuesta mayoritariamente por bailarines españoles con el objetivo de cubrir el hueco existente en el panorama de la danza en España, país donde existen pocas compañías estables de ballet. Según su creador, David Campos, "desde un principio nos preguntábamos por qué volver a repetir los mismos clásicos de siempre, por qué no crear nuevas piezas basadas en la técnica clásica tradicional pero que integrasen las inquietudes y los lenguajes de expresión de nuestro nuevo siglo."

Como respuesta a estas preguntas surge una compañía con sede en Barcelona formada por 15 bailarines -solistas y cuerpo de baile- que posee un repertorio nuevo e inédito con piezas propias y originales como por ejemplo, "Inquietudes", ballet de corte minimalista y perfecta armonía musical, o "Rock Réquiem", coreografía que consigue aunar a la perfección las zapatillas de punta y la música "heavy metal" del grupo Metallica en una versión para a cuatro chelos realizada por el grupo finlandés Apocalíptica.

"Heavy metal" enfrentado cara a cara con la danza clásica. Zapatillas de punta entre cuero y metal. Una apuesta arriesgada y transgresora que dota al Ballet David Campos de una personalidad propia, a la vanguardia de las mejores compañías europeas. Ritmo frenético, formas estilizadas y una moderna y fría escenografía de acero se integran a la perfección con coreografías de gran impacto visual llenas de giros, sorprendentes saltos y vertiginosas entradas y salidas.

"Rock Réquiem" es una de las coreografías más aclamadas por el público y tuvo una gran acogida por parte de la crítica especializada que ha visto en el Ballet David Campos una ruptura con la idea tradicional del ballet clásico a partir de la cual se abren nuevas e inagotables formas de expresión para esta disciplina.

Tras un gran número de actuaciones en España, la compañía da el salto a otros países de Europa. Actúa en Francia, Escocia e Italia, donde sorprende a los críticos por su originalidad y estilo propio. En el exterior, curiosamente, obtiene un mayor éxito que en su país de origen. Tras los elogios de la prensa internacional no sólo a la coreografía sino a la perfecta ejecución por parte de los solistas y del cuerpo de baile, su director y coreógrafo, David Campos afirma que "nadie es profeta es su tierra y a veces, aunque nos cueste decirlo, el reconocimiento de tu país viene a raíz del triunfo en el extranjero". Conscientes de este hecho, la compañía cuenta en su repertorio con ballets como "Deconstructing Gershwing" o "Let it B", ambas de Hazel Sabas, coreógrafa filipina, finalista en el Concurso Internacional de Coreografía Clásica de París 2000 y residente en losEstados Unidos. Esta última pieza es otro ejemplo de la apertura de la compañía hacia nuevos caminos, dado que se inspira en la música del grupo británico The Beatles.

Una búsqueda incesante de nuevas formas de expresión sin perder de vista el referente clásico de ballets como "Petrushka", de Igor Stravinsky, pieza que David Campos ha dotado de dinamismo al eliminar la pantomima en favor de la danza y los matices musicales. El Ballet David Campos muestra con orgullo su versión de esta pieza ya que es la única compañía de danza que mantiene dentro de su repertorio habitual esta obra clásica, temida en el mundo del ballet por su complejidad musical y sus difíciles matices expresivos.

El último montaje de la compañía, explora aún más en la nueva vía de expresión abierta por "Rock Réquiem". Basado en el cuento de terror homónimo de Edgar Allan Poe, "La Máscara de la Muerte Roja" es una coreografía llena de contrastes y sensaciones enfrentadas que fluyen como la misma sangre y que contribuyen a recrear el universo oscuro, profundo y temerario del escritor norteamericano.

Para su director y coreógrafo, "toda la coreografía es una gran danza de la muerte, tema por el que sienten una gran atracción tanto Poe como los amantes de la música ‘heavy’." "La Máscara de la Muerte Roja" es un ballet donde los personajes -si es que existen como tales- bailan frenética o pausadamente según su alma, angustiados por la cercanía de un tiempo que se agota y del que, al igual que ocurre con los espectadores, no pueden escapar.

Con su trabajo innovador, el Ballet David Campos demuestra que la danza contemporánea y la clásica no pertenecen a diferentes bandos, conscientes de que la única forma de innovar es recurrir a lo clásico. Bailarinas con puntas y tutús que giran sin descanso entre notas de rock duro. El lirismo del ballet tradicional frente a temas de gran dureza como la muerte. Coreografías actuales para músicas de nuestro tiempo. La belleza de la técnica clásica a la velocidad vertiginosa del "heavy metal". ¿Quién dijo que el ballet clásico no daba para más?

¡Viva México!
Por Patricia Aulestia (México)

Héctor Manuel Garay Aguilera: actor, director, maestro, promotor, investigador y funcionario. Fundador y director de VITARS, Fomento Cultural (1994) y actual titular de la Coordinación Nacional de Danza del Instituto Nacional de Bellas Artes (CND INBA). Su función, desde esta dependencia oficial, tiene como objetivos principales difundir la danza en todo el país, complementar la educación de los profesionales, estimular la creación a través de diferentes programas de apoyo a esta tradición que viene desarrollándose desde hace tiempo en México. La Coordinación busca las formas de fomentar las creaciones realizadas por bailarines, coreógrafos y grupos de danza.

Esta tarea se lleva a cabo debido a la infraestructura que se ha creado en el país. Sólo en la ciudad de México existen cinco foros especialmente dedicados a programar actividades relacionadas con la danza en todos sus géneros. De esta manera, las salas del Teatro de la Danza, el Centro Cultural del Bosque, el Raúl Flores Canelo, el Foro Experimental,-en el Centro Nacional de las Artes-, y la Sala Miguel Covarrubias de la Universidad Autónoma de México, son los puntos de convocatoria que reúnen distintos tipos de público.

Danza: ¿Cuáles son los proyectos paralelos que sirven de apoyo para el logro de los objetivos generales?

Héctor Garay: A esta infraestructura se suma una serie de programas como el de la Red Nacional de Festivales de Danza (RNFD), el cual agrupa a dieciséis festivales que se realizan en varias regiones del país en temporadas diferentes. De esta manera podemos fomentar la formación continua de los bailarines de esas ciudades, como también, programar exposiciones fotográficas y presentaciones de libros. Durante todo el año tenemos, desde el norte del país hasta la península de Yucatán, festivales de danza contemporánea y de diversos géneros.

D: ¿Cuántas compañías participan en estos programas?

HG: Estamos hablando de una compañía oficial de ballet, que es la Compañía Nacional de Danza, que cuenta con el apoyo directo del INBA. A ésta se agregan La Compañía Nacional de Danza Folklórica, el Ballet Teatro del Espacio, el Ballet Independiente y el Ballet Nacional de México; estas tres últimas, están especializadas en danza moderna. Los cuatro grupos reciben un apoyo gubernamental indirecto. Además, tenemos aproximadamente unos setenta grupos independientes de danza contemporánea, que forman parte de los distintos programas organizados anualmente por el INBA en los diferentes ciclos que se realizan en el Teatro de la Danza. Estos grupos forman parte de los circuitos de los estados mexicanos que pertenecen a la red, como también, a los que están fuera de ella. Por otra parte, el programa de formación de públicos trabaja con niños de las escuelas de educación básica, primaria y secundaria, como un camino para promover el acercamiento a las diferentes manifestaciones de la danza.

D: ¿De qué manera se realiza la promoción internacional y cuál es su alcance?

HG: Nuestro país necesita mayor presencia internacional. El nivel de sus intérpretes y de sus coreógrafos puede ser visto en otras latitudes. La CND INBA pondrá los medios necesarios para establecer el contacto y la comunicación con el exterior para ofrecer una información más amplia sobre lo que está sucediendo en México en el ámbito de la danza. Como estrategia hemos planeado la visita de especialistas, integrantes de asociaciones internacionales, para que estén en momentos relevantes tales como el Día Internacional de la Danza en el CENART, donde se reúnen en once escenarios de este espacio, más de 160 grupos no profesionales y profesionales. Asimismo, el Premio INBA-UAM, Concurso de Composición Coreográfica Contemporánea, que cumplirá 23 años en noviembre de este año, concentra diferentes generaciones de coreógrafos. Buscaremos también la manera de que esto suceda dentro de algunos festivales importantes como el de San Luis Potosí, o de crear un evento en particular que se constituya en una muestra de la danza mexicana al que acudan promotores y directores de festivales. Esto lo iremos estructurando para lograr una mayor presencia de la danza de México en escenarios internacionales. De todas maneras, este intercambio que perseguimos, ya se está llevando a cabo. Ha sucedido con muchos grupos y bailarines de otras naciones, y queremos que esta interrelación se siga fomentando.

Patricia Aulestia. Investigadora y coreógrafa, preside la Sociedad Mexicana de Coreógrafos. Bailarina y directora fundadora del Ballet Nacional Ecuatoriano (1967-1970), se radicó en México hace treinta años donde desarrolló su actividad profesional. Fue coordinadora y directora de diferentes instituciones como el Instituto Nacional de Bellas Artes, la Compañía Nacional de Danza (1988) y el Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información de la Danza CENIDI Danza José Limón (1983-l992), entre otros. Jurado en los concursos internacionales de Varna, Helsinky, París y Jackson, participa a su vez en foros internacionales en la Colección de Danza del Lincoln Center (Nueva York) y la Performing Arts Library&Museum de San Francisco. En ambas ciudades colabora en programas para las comunidades hispánicas. Escribe en "Ecuador News" de Nueva York y "La Pirouette Danza" de Guadalajara, México.

Biodanza, sistema de desarrollo personal a través del movimiento, la música y la interacción entre los participantes. Fotos: Carolina Stankiewich

Celebrar la vida
Por Belisa Amaro (USA)

Vale la pena imaginar por un momento qué ocurriría si un grupo de personas que no tienen ningún conocimiento de danza comenzaran a moverse por el espacio, inspiradas por la música y la presencia de los otros a su alrededor. Qué sucedería si danzaran con la misma pasión y emoción de un profesional que está en la cima de su carrera y en su mejor forma física. Movimientos auténticos, apasionados, a veces sin coordinación, que permiten que las células del cuerpo, de alguna manera, bailen de felicidad, que sus órganos internos sonrían y que sus mentes se evadan por algunos segundos para dar lugar a la experiencia de, simplemente, existir.

A simple vista, esta escena parecería ser imaginaria, sin embargo es una experiencia vivida por aquéllos que practican Biodanza en diversos países de América Latina, Europa y también en los Estados Unidos. Los seguidores de esta disciplina, "biodanzarines" como se los suele llamar, se encontrarán entre el 10 y el 14 de julio en el V Congreso Mundial de Biodanza, en Alpbach, situado en las montañas tirolesas de Austria. Además de los seminarios de Biodanza, los participantes tendrán la oportunidad de interiorizarse sobre los estudios científicos que demuestran la validez de este sistema para prevenir disturbios físicos y psíquicos, como también, discutir sobre temas relacionados con la inteligencia emocional y la semántica musical.

Creada por el antropólogo chileno Rolando Toro en la década del ‘60, Biodanza es un sistema de desarrollo y crecimiento personal que utiliza el movimiento, la música y la interacción auténtica entre los participantes para promover vivencias de armonización interna, de comunicación con los otros y con el universo. Inspirado por el hecho de que, la danza siempre ocupó un papel importante en la expresión de las emociones -tanto en las culturas primitivas, en la sociedad moderna, en grupos indígenas o en comunidades religiosas-, Toro creó este sistema único que se lleva a cabo en un ambiente comunitario.

En 1964, cuando Rolando Toro era profesor de la cátedra de Antropología Médica del Hospital Psiquiátrico de Santiago de Chile, comenzó a desarrollar sus estudios con pacientes con problemas mentales. Su formación antropológica lo llevó a analizar los efectos en el comportamiento, causados por la exposición de estos pacientes frente a diferentes ritmos y melodías musicales. En su investigación advirtió que la música en la que dominaban los instrumentos de percusión y con mayor ritmo, llevaba a los pacientes a estados sorprendentes en cuanto a su conexión con la realidad. En contrapartida, la música con predominio de los instrumentos de viento, como la flauta, conducía a los pacientes a estados de alucinación o pérdida del sentido de la realidad.

Estos estudios contribuyeron a un mejor entendimiento de las respuestas emocionales y cerebrales frente al estímulo musical y llevaron a la creación del andamiaje teórico de la Biodanza. Actualmente, se practica en grupos regulares de adultos, como también, en núcleos específicos dirigidos a ancianos, niños, enfermos de Parkinson y discapacitados físicos, entre otros.

En los Estados Unidos la Biodanza se practicaba esporádicamente en forma de seminarios en aulas especiales, en centros de desarrollo del potencial humano como el Instituto Easalen, en Big Sur, California, y el Instituto Naropa, en Bolder, Colorado. Hace aproximadamente tres años, comenzaron a formarse los primeros grupos regulares de biodanza en las ciudades de Nueva York, San Francisco y Oklahoma.

"Biodanza propone diferentes ejercicios todas las semana. Cada uno de ellos te permite tomar contacto con tu propio cuerpo, encontrar la sonrisa en tu cara y saltar de contento", dice Randy Freemire, estudiante de California Biodanza Center, en San Francisco.

Estudiados científicamente, los ejercicios de Biodanza (llamados vivencias) llevan a los alumnos a recuperar la alegría, la vitalidad y el placer de vivir. Dado que la sociedad occidental está signada por el predominio de lo racional, el cerebro actúa como un inhibidor de las emociones genuinas y perjudica la regulación visceral del propio organismo. Durante las clases, las vivencias disminuyen la actividad del cerebro y permiten vivir experiencias inducidas por la música, la danza, el canto y las situaciones de encuentro e interacción entre los participantes. Estas vivencias actúan directamente sobre el sistema límbico-hipotalámico, centro de las emociones.

A través de movimientos simples, imbuidos de significado personal, los alumnos liberan y transforman emociones almacenadas en el cuerpo. Junto al grupo el cuerpo comienza a moverse, a brincar, a reír, y experimenta la alegría de estar vivo.

En tiempo de tango
Por Alicia Lo Bianco (Argentina)

A pocos días de iniciado el 2002, la Argentina vivía una de las situaciones más dramáticas de los últimos diez años. Justamente ese día -8 de enero-, en el que el futuro era un gran interrogante abierto a la desesperanza, por primera vez en el teatro El Nacional de Buenos Aires, se levantó el telón de "Tanguera". Seis meses después, la apuesta que hicieron el productor Diego Romay y la coreógrafa y bailarina Mora Godoy se ha convertido en uno de los éxitos de la temporada teatral de la ciudad. Crisis mediante, de miércoles a domingo el público ocupa más del 70 por ciento de las mil localidades del teatro.

Una de las artífices de este musical -collage con pinceladas de tango, jazz y danza clásica- es Mora Godoy, bailarina de una sólida formación clásica, avalada por sus diez años de estudios intensos en la escuela de ballet del teatro Colón de Buenos Aires y clases particulares con Olga Ferri. Tiempos de disciplina rigurosa que le permitieron luego, abordar otro tipo de experiencias tanto en el campo del jazz como en el del tango.

Desencantada por las escasas oportunidades que le ofrecía el teatro Colón estuvo a punto de dejar la danza para siempre. "Después de tantos años de estudio -confiesa-, de toda la pasión que había puesto en esto, me sentía frustrada y quería dejar de bailar." Una de sus maestras, Margarita Fernández, la convenció para que no lo hiciera y fue así como comenzó a estudiar danza jazz. Desconcertada, trató de buscar otra salida a su vida e intentó por el lado de una carrera tradicional. Mientras tomaba sus clases de danza, se inscribió en la Facultad de Ciencias Políticas de la Universidad de Buenos Aires. "Estaba muy enojada con el Colón. Los concursos son cada mil años. Hay que esperar que alguien se jubile para poder ocupar un lugar en el ballet." Tres años de formación en danza jazz y luego, el descubrimiento del tango. Y con el tango, el éxito y las gratificaciones que no había conseguido con las zapatillas de punta.

En una primera etapa de este nuevo aprendizaje, Godoy transitó por las "milongas" de Buenos Aires en busca de un maestro que le enseñara los "cortes" y las "quebradas", propias de esta danza. Fue entonces cuando se dio cuenta de que "las reglas del tango no son las mismas que las del ballet; el estilo depende de cada pareja con la que bailás. Me costaba mucho trabajo formarme en el tango. Por esa razón, al principio no estaba demasiado convencida de que eso era lo que quería, no le encontraba la vuelta."

La certeza llegó casi por casualidad. Un día fue a ver "Tango por 2", con los bailarines Miguel Angel Zotto y Milena Plebs. "Ese espectáculo era lo que yo quería hacer -afirma con pasión-, la fusión de danza contemporánea con el tango. Hablé con Zotto y empecé a tomar clases con él. Sabía que yo tenía una rigurosa formación clásica. Le gustó como bailaba, vio que tenía fibra, y poco después me invitó a que me incorporara a su compañía con la que recorrí el mundo durante siete años, justamente con ‘Tango por 2’."

Mora Godoy, coreógrafa y bailarina que protagoniza "Tanguera", uno de los mayores éxitos del musical en Buenos Aires. Foto: Mario Albarracín

En los noventa Godoy también dio seminarios de tango en la universidad norteamericana de Stanford y montó un show en San Francisco llamado "Tango Fatal". El año pasado decidió formar su propia compañía.

"Hacer este espectáculo fue concretar un sueño que tenía desde hacía mucho tiempo -agrega-. Me fascinó tener sobre mis espaldas la responsabilidad del papel de la francesita por todo lo que significaba eso. No sólo hubo que elaborar la parte técnica sino también la actuación."
Godoy atribuye parte del éxito de "Tanguera" a que "tiene mucho que ver con nuestras raíces, con nuestra historia, con nuestra idiosincrasia. Además, está hecho con las reglas del musical moderno."Muchos entendidos lo comparan con los espectáculos de Broadway.

"Tanguera" fue programado para estar tres meses en la cartelera, pero el éxito cambió los planes. El plazo se extendió hasta octubre. La próxima plaza será Madrid, donde intentarán conmover al público español con los desdichados amores de esta francesita, contados en tiempo de tango.

Tiempo para estudiar
Por Rosa C. Corral (Holanda)

Si bien hace medio siglo se intuía la posibilidad de sanación a través del arte, esa alternativa estaba aún en estado embrionario. Casi en los finales del siglo XX la terapia a través de la música, el teatro o la danza comenzó a cobrar vida propia. La Escuela Superior de Danza de Rotterdam, la Rotterdamse Dansacademie , como parte integrante del Conservatorio de esta ciudad, forma y diploma a sus alumnos en las disciplinas: Danza Moderna, Coreografía y Profesorado en Danza Moderna. Desde hace unos años existe una nueva posibilidad de estudio y titulación para postgraduados en "Terapia a través de la danza", especialidad que recientemente fue reconocida a nivel oficial por el Ministerio de Educación, Cultura y Ciencia holandés.

El programa de estudios está confecionado en estrecha colaboración con la American Dance Therapy Associacion (ADTA), asociación internacional que supervisa la calidad de la enseñanza en esta modalidad en los lugares donde se dicta esta disciplina. Los contenidos del programa se sustentan en el análisis de movimiento Laban (Laban Movement Analysis), método que sirve de base de la educación en la Rotterdamse Dansacademie.

Esta terapia considera el movimiento del cuerpo como vehículo físico, expresivo, creativo y social. Su propósito es alcanzar objetivos terapéuticos en los campos psicológico, emocional, motor, social y cognitivo. A su vez, puede ser aplicada tanto individualmente como en grupo. Una amplia gama de posibilidades se abre ante el terapeuta de la danza en escuelas, empresas e intituciones de salud (mentales, educación especial y geriátricas, entre otras) o como terapia preventiva.

La formación que ofrece la Rotterdamse Dansacademie en esta especialidad está dirigida a profesionales diplomados en alguna disciplina de danza, pedagogía, psicología, fisioterapia, y otras de esta índole, en una contínua interacción de teoría y práctica. Debido a que los alumnos son, en su mayoría, gente que trabaja, los programas están elaborados de tal forma que se pueden realizar en bloques intensivos. Dado que este programa convoca profesores y alumnos de diferentes partes del mundo, el inglés es el idioma en que se dictan las clases.

El programa contiene asignaturas obligatorias y optativas impartidas en bloques durante tres años. En los dos primeros años de la carrera la atención se centra en la conexión entre danza y terapia. En el tercero, se tratan temas de educación especial según la patología a tratar. Los alumnos que superen cada uno de estos estadios, obtendrán el "Rotterdam Post Graduate Dance Therapy Diploma".

e-mail de la Rott. Dansacademie: rda@hmd.nl

DANZA CON SALUD
Fracturas por estrés de la columna lumbar
Por: Alejandro González Della Valle

Las fracturas de la columna lumbar, al igual las que se producen durante un accidente automovilístico o caídas de gran altura, son infrecuentes en el bailarín. Sin embargo, la carga repetitiva y la sobrecarga impuesta a la columna durante la práctica de la danza predisponen a otro tipo de fracturas que se producen en regiones que son particularmente exigidas durante la actividad diaria del bailarín.
Estas "fracturas por estrés" de la columna lumbar son características en el bailarín, especialmente en el hombre, y consisten en la fractura de una porción del anillo posterior de una vértebra lumbar, por lo general, la cuarta o la quinta (Figura 1).

Estas fracturas producen, en la mayoría de los casos, sólo dolor lumbar, y no provocan irritación nerviosa. El dolor de estas lesiones puede incapacitar al bailarín profesional y comprometer su pleno rendimiento. Mediante estudios de alta complejidad como la centellografía ósea, el médico puede determinar si estas fracturas tienen potencial para unirse sin un tratamiento quirúrgico. Cuanto más precoz sea el diagnóstico, existen mayores posibilidades de que esto ocurra. El tratamiento consiste en la inmovilización de la columna lumbar, generalmente con un corsé. El tiempo de inmovilización e inactividad varía entre 3 y 6 meses, sin embargo, a pesar de que pueda parecer un tiempo excesivo, si la fractura se une satisfactoriamente, el bailarín puede regresar al nivel de actividad previo a la fractura y con una completa resolución de sus síntomas. Luego del período de inmovilización, el bailarín deberá iniciar un retorno lento, progresivo y controlado a la actividad física, asistido por un equipo de rehabilitación entrenado, con el objetivo de evitar recaídas y lesiones por falta de entrenamiento.

Si, por el contrario, el dolor que provoca la incapacidad se produce a través de una fractura por estrés -sin capacidad para consolidar-, pude considerarse el tratamiento quirúrgico. Este camino implicaría tiempos mayores de inmovilización e inactividad y eventualmente, podría comprometer el retorno a un nivel de rendimiento físico similar.

La rehabilitación kinesiológica de la columna lumbar

La rehabilitación kinesiológica forma parte fundamental en el tratamiento de la mayoría de las lesiones de columna lumbar que afectan al bailarín. Después de cualquier lesión, aguda o crónica de la columna lumbar, es prácticamente inevitable que los músculos espinales se desacondicionen. Por otra parte, los músculos abdominales y paravertebrales se atrofiarán en grado variable.

El tratamiento de cualquier lesión deberá incluir un progresivo acondicionamiento de estos músculos fundamentales para la estabilidad y el buen funcionamiento de la columna. Debido al alto grado de exigencia interna y externa del bailarín profesional y su alto grado de motivación, es probable que quiera retornar rápidamente a un alto nivel de rendimiento físico. Es importante que el bailarín, las autoridades artísticas de su compañía y el equipo médico que lo trata, comprendan que un apresurado retorno a la actividad física completa puede ser contraproducente en el resultado final del tratamiento de su afección y producir una recaída del dolor o lesiones crónicas que lo invaliden y sean de difícil tratamiento. Una buena dosis de paciencia en el bailarín y en su equipo puede ser más efectiva a largo plazo que una buena dosis de medicamentos.

El kinesiólogo lo guiará en un gradual retorno a la actividad física previa a la lesión si esto es posible. El fortalecimiento de su musculatura permitirá un adecuado control de su postura, la estabilización de la columna y el logro de un óptimo grado de movilidad, indispensables para la saludable práctica de la danza amateur o profesional.

Recomendación: No hagas un tratamiento para bailar en tu próxima función, hazlo para volver a bailar como antes.

En el próximo número de Danza en Español:
La cadera es una de las articulaciones de mayor movilidad del cuerpo humano. Sus particularidades anatómicas permiten movimientos amplios que son llevados al extremo en las bailarinas. La exigencia sobre las caderas impuesta en los bailarines profesionales puede predisponer a lesiones musculares, de los ligamentos y de la articulación propiamente dicha. Todo esto en el próximo número de Danza en Español.