La CND2, la niña mimada de Duato

Formar una compañía paralela a la Compañía Nacional de Danza era uno de los sueños de Nacho Duato, aún, con el ministerio en contra. Tardó más de cinco en convencer a las autoridades del gobierno. "Me siento orgulloso del crecimiento que ha tenido la compañía -confiesa-. Es increíble como progresan. Los bailarines jóvenes viven en el mismo edificio que los de la compañía principal y eso les permite aprender muchísimo. Pero lo más curioso es que los grandes también aprenden de la voluntad y las ganas de los jóvenes. Para mí la CND2 ha sido una inyección de vitalidad y de energía. Ellos me inspiran, y sus ganas me recuerdan a mí mismo cuando empecé. Entran como patitos feos y en dos o tres meses se convierten en cisnes."
Todos los años se realiza una audición pública donde se presentan alrededor de 200 candidatos que tienen entre 16 y 21 años. De todos ellos, sólo se eligen doce. La mayoría son españoles, pero también hay alemanes, franceses y portugueses. Ninguno tiene experiencia profesional. "Tenemos en cuenta que posean una base técnica sólida, sentimiento musical y, en definitiva, mucha voluntad.", agrega Duato. La CND2 está compuesta por catorce bailarines, siete mujeres y siete varones.
Con un promedio de cuarenta funciones por año, la compañía ya tiene planeada una gira por el exterior para el 2003: New York, Viena y el sur de Francia. "Por todos estos logros creo que lo mínimo que nos merecemos es tener un teatro propio -enfatiza-. Aunque el problema puede estar en que, quizás, Pilar del Castillo (la ministra de Cultura, Educación y Deportes) no conozca el éxito de la compañía porque no ha asistido a ninguna de las funciones que hemos realizado."
La CND posee uno de los presupuestos más bajos de Europa: 3,6 millones de euros ($3,5 millones de dólares), de los cuales se invierten 240.404 euros en las siete producciones anuales que realiza la CND y el resto alcanza para pagar a las cien personas que integran el equipo: técnicos, maestros, coreógrafos y bailarines. "La administración y la burocracia no hacen más que ralentizar la actividad de la compañía y creo que hemos demostrado que somos buenos gestores con el dinero. Otro inconveniente es la dificultad para contratar nuevos profesores que aporten ideas nuevas; en cambio, hay muchos que nunca han sido bailarines y sólo conocen la teoría de la danza. Para enseñar bien, es importante que los profesores hayan estado arriba de un escenario."

Amores no tan ocultos
Por Vannia Ibargüen (Perú)

Micaela Villegas Hurtado de Mendoza, más conocida como "La Perricholi", es un personaje universal cuya vida inspiró a pintores, músicos y escritores, entre ellos, a Offenbach, quien compuso la ópera que lleva el nombre de esta célebre belleza peruana. Los amores de La Perricholi también llegaron a la danza. En 1992, la compañía del Ballet del Teatro Municipal de Lima presentó por primera vez "La Perricholi", ballet de dos actos y cinco escenas, con motivo de las fiestas patrias de Perú. Este año, y también para esas celebraciones, la obra se repuso en coproducción con la Universidad de San Martín de Porres y el Centro de Artes Escénicas de la Municipalidad Metropolitana de Lima.

Micaela Villegas era una conocida actriz de teatro en la Lima colonial del siglo XVIII, época en la que tal oficio era considerado indigno e impropio para una mujer. El entonces sesentón Virrey de Lima Don Manuel de Amat y Juniet, asiduo concurrente al teatro, no tardó en fijarse en Micaela, una joven mestiza de 21 años cuya seducción y belleza dejaba pasmado a más de un noble. La aventura amorosa y los escándalos, motivaron las críticas de la nobleza envidiosa y fueron la murmuración de la aristocracia limeña, estirada y mojigata. Era inadmisible que el representante del rey de España rindiera pleitesía a una mujer que no era de su clase.

Desde el momento en que surgió la idea de llevar a la danza esta historia, la intención fue lograr una producción sin precedentes. La coreografía, creada por el reconocido maestro peruano Jimmy Gamonet de los Heros, tuvo como repositor al maestro ruso Mikhail Koukharev, bajo la dirección de Lucy Telge de Linder. En la nueva producción participaron setenta y cinco personas entre actores y bailarines. La música es una fusión de obras de varios compositores (Manuel de Falla, Camille Saint Saens y Rimsky-Korsakov, entre otros), elegidos con minuciosa rigurosidad para lograr la compenetración entre la actuación, la música y los paisajes de la época. Una perfecta mixtura de ritmos clásicos, españoles y peruanos, son la base musical de esta trama. Los papeles principales de esta nueva puesta estuvieron a cargo de Patricia Cano, Diana Silva y Paola Azaña, las tres en el rol de La Perricholi. José Carlos Asencios y Hermes Rodríguez interpretaron al Virrey Amat, mientras que Maikel Solas y Antonio Risica se vistieron con las ropas del Teniente Echarri.

El ballet creado por Gamonet de los Heros recoge situaciones interesantes de la vida de La Perricholi a través de una estructura narrativa clara y concisa. Todo comienza cuando el Virrey Manuel de Amat asiste al Coliseo de Comedias a ver un espectáculo protagonizado por Micaela y se enamora de ella. La invita a un baile en el palacio de gobierno, y el portador de esta invitación, el Teniente Echarri, también queda prendado de su hermosura. Cuando Micaela llega al palacio, escandaliza a la nobleza por el desenfado con que se viste y se comporta. Amat se interesa aún más en ella y al acabar la fiesta, la persuade para que se convierta en su favorita. Tiempo después, el Virrey inaugura el conocido Paseo de Aguas de Lima en honor a Micaela y ella vuelve a incomodar a la aristocracia de la ciudad. Ese día se entera de que Echarri, el hombre de confianza del Virrey, también la amaba.

En la última escena del ballet se reproduce el famoso episodio de la Iglesia de San Lázaro, en el que Micaela, arrepentida de su vida pasada, regala su carruaje a una mujer cuyo esposo agoniza, para que el sacerdote de la Iglesia pueda portar dignamente el Santísimo Sacramento. Redimida, después de sus escándalos en la vida y en las tablas, La Perricholi murió en 1819 y su nombre pasó a formar parte de una historia pintoresca y romántica, donde se mezclan el poder y la pasión.

Vannia Ibargüen Allpas

Es bailarina del Ballet del Teatro Municipal de Lima (BTML), una de las compañías de danza más importantes del Perú. Desde hace una década, Vannia se desempeña como parte del cuerpo de baile y como solista de esta compañía que aborda obras del repertorio clásico y neoclásico. También incursionó en el ámbito de la danza contemporánea con el joven grupo Danzul, proyecto realizado con alumnos graduados del Taller de Danza Contemporánea de la Universidad de Lima, seleccionados por su sólida formación artística. Por otra parte, es egresada de la misma universidad con grado en Ingeniería de Sistemas. Como profesional de las artes y de la información, realizó trabajos periodísticos como asistente del Área de Actividades Artísticas en la Universidad de Lima y actualmente colabora en la construcción de la página web oficial del BTML.

Quiénes bailan

• Argentina: Tangokinesis, Secreto y Malibú.
• Bolivia: La Diablada y Sambos Caporales.
• Brasil: Grupo Corpo, Balé de Rua, Quasar, Compañía Paula Nestor, Staccato y Mimulus.
• Chile: Compañía Pe Mellado y Compañía. M. Escobar.
• Colombia: L'Explose, El Colegio del Cuerpo, Garabato Unlibre y La sabrosa
• Costa Rica: Diquis Tiquis.
• Cuba: Conjunto Folklórico Nacional y Retazos.
• México: Compañía Nacional de Danza, Mnemosine, La Cebra y Astrid Hadad.
• Perú: Los Danzantes de Tijeras.
• Uruguay: Carolina Besuievsky.
• Venezuela: Danzahoy, Dramo, Ensamble Coreográfico Experimental.
• Francia: Compañía Maguy Marín, CCN Ballet de Lorraine, Compañía Propos, Compagnie Acte, Anou Skan, Teatri del Vento, Attacca & Gondwana y Heyoka.

Pequeña, delgada, pelo renegrido y cortado a "la garzón" del siglo XXI, Vivien Dai irrumpió en las oficinas de Small Business Development Center (SBDC) de la ciudad de San Francisco con una propuesta que, a simple vista, podría resultar un delirio: un servicio gratis de asesoramiento sobre negocios dedicado a los artistas. La idea sonó extraña. El director del centro la miró perplejo, pero lo sedujo el desafío. Arte y negocios. A simple vista, inconciliables. Especialmente si se tiene en cuenta el estereotipo: artista indigente versus millonario e insensible señor de negocios. Ella logró convencerlo.

Desde hace un año y medio, en SBDC, centro que depende de Small Business Administration, entidad subvencionada por el gobierno de la ciudad, hay un espacio especial para asesorar a los artistas. Hasta entonces, el SBDC sólo ofrecía ayuda económica y fondos para cualquier tipo de negocios. El arte estaba excluido de la lista por omisión natural. A partir de la llegada de esta bailarina y mujer de negocios, las cosas cambiaron radicalmente. Desde entonces, los artistas tuvieron un espacio de consulta donde tomar contacto con un tema que les es ajeno: el lenguaje de los negocios.

"Cuando fui allí -comenta-, estaba realmente interesada en ayudar a los artistas para que pudieran permanecer en el mundo del arte. En aquel momento, el director del SBDC estuvo totalmente de acuerdo en seguir adelante con esta idea. Y así fue. Como las consultas son gratis, pensé que podía ser un gran servicio para la comunidad artística." Marketing, administración, finanzas, capital de riesgo y otras palabras similares comenzaron a incorporarse en el lenguaje de los artistas que pasaban por la hora de consulta con Vivien Dai.
"El problema más grande que tienen los artistas -confiesa- es que no se ven a ellos mismos como un negocio y no se dan cuenta de que hay diferentes formas de hacer dinero con el propio trabajo. Otro de los problemas es que no saben describir lo que hacen. En los negocios hay que tener preparado un aviso comercial de 30 segundos donde quede todo dicho." Dentro de ese campo, Dai provee consejos o sugerencias para que los artistas puedan incorporar estrategias de comercialización, selección de oportunidades y organización del tiempo.

Un año después del inicio de esta tarea de asesoramiento, decidió fundar ArtAxcess Productions, una compañía productora de eventos estratégicos de alto impacto, donde se integran innovación y versatilidad en el ámbito del arte. "La compañía se basa en dos pilares importantes -afirma-. Por un lado está mi apasionado deseo de ayudar a los artistas, y por el otro, el deseo de que el arte en general pueda lograr cierta visibilidad y credibilidad frente a la sociedad. En el ámbito de los negocios, por lo general, se conceptúa al arte como un elemento decorativo o como un entretenimiento y no le dan el valor real a los artistas."

Dai, cofundadora, junto a Sue Li Jue, de la compañía de danza y música "Facing East", formada sólo por mujeres asiáticas, logró conciliar los dos mundos. Rápida para detectar los principales problemas de los artistas a la hora de traducir su trabajo en dinero, sabia para investigar las fuentes de recursos e intuitiva para orientar. "Los artistas sólo pueden hacer ciertas cosas para ayudarse a sí mismos -reflexiona- porque el resto del tiempo lo pasan en contacto con su actividad creativa. Los artistas sufren de cierta aversión al dinero y le tienen miedo a los negocios."

En ArtAxcess Productions su trabajo consiste en planear un evento determinado a través del desarrollo del concepto de ese evento. Para ello utiliza estrategias de marketing y administración, como también incorpora propuestas que permiten incrementar las finanzas. En forma paralela, ofrece asesoramiento a los artistas para que establezcan contacto con las corporaciones y consigan el dinero necesario para realizar determinado evento. "Trato de construir un puente entre los negocios y el arte -agrega-. Por sobre todas las cosas, creo en el arte y en los artistas y considero que el arte produce un impacto en la sociedad. Me interesa que la gente pueda respetar lo que hacen los artistas. Por otra parte, la comunidad artística es muy pequeña y es importante que sus integrantes puedan pensar fuera de la burbuja de la comunidad. Es necesario que reflexionen sobre cómo posicionarse estratégicamente ellos mismos."

Dai tiene como propósito establecer un entendimiento entre negocios y arte que permita ver a los artistas como valores dentro de la sociedad. La compañía produce eventos organizados por corporaciones, donde los artistas también son protagonistas. "El público en general asiste a los espectáculos más representativos como la ópera, el ballet o la sinfónica, pero no saben que también existen otros artistas fuera de ese ámbito. En esta ciudad hay una gran corriente artística. Tengo la intención de tratar de educar a la comunidad de los negocios y también a todos los que están fuera de la comunidad artística. Mi objetivo es mostrar el gran espectro que propone el arte y el verdadero valor del arte en sí misma."

Merce Cunnungham, la fresca juventud de los 83. Foto: Photo by Annie Leibovitz

Cunningham a los 50
Por Maritza Gueler (USA)

Más que una leyenda, un revolucionario. Con sus ideas renovadoras, el bailarín y coreógrafo Merce Cunningham, llega a sus 83 años con la vitalidad y el ingenio que siempre lo caracterizaron. En forma constante toma sus clases de estiramiento en la barra, a pesar de la artritis que lo obliga a caminar con un bastón y le impide mostrar son soltura los pasos de sus coreografías. No obstante, su espíritu está intacto. Desde hace 50 años está al frente de la Merce Cunningham Dance Company, agrupación que él mismo formó, luego de su separación de la compañía de Martha Graham. Para celebrar de este aniversario, el grupo realizará durante toda la temporada (2002-2003) una serie de presentaciones en diferentes partes del mundo.

A lo largo de este tiempo, la compañía y su director, fueron escribiendo capítulos de la historia de la danza del siglo XX. Su larga y constante colaboración con el músico John Cage y su relación con artistas como Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Frank Stella y Andy Warhol, lo sitúan como una de las figuras clave de la danza contemporánea.

La carrera y la obra del coreógrafo nacido en Centralia, Washington, en 1919, está estrechamente vinculada con la de John Cage, a quien conoció a mediado de los años 40. Músico y coreógrafo se adentraron en innovadores proyectos experimentales. Ambos acudieron a los cursos de verano del célebre Black Mountain College, institución que fue símbolo de la vanguardia de la época, donde se gestó un nuevo concepto del espectáculo. El primer trabajo que presentó la dupla Cunningham-Cage fue en abril de 1944, mientras el bailarín-coreógrafo todavía era miembro de la compañía de Graham. En forma paralela continuó presentando sus espectáculos en forma personal y con un grupo de bailarines. En el verano de 1953 formó la Merce Cunningham Dance Company en Black Mountain College. Desde entonces hasta hoy, lleva más de ciento cincuenta obras realizadas para la compañía.

John Cage fue el director musical de la Merce Cunningham Dance Company hasta la fecha de su muerte en 1992. Ambos se convirtieron en foco de admiración y rechazo. "No hay ningún pensamiento envuelto en mi coreografía -afirmó alguna vez Cunningham-. No trabajo a través de imágenes o ideas, trabajo sobre el cuerpo. Si el bailarín baila, lo cual no es igual que tener teorías sobre la danza, o desear bailar o trata de bailar, todo está allí. Al empezar una coreografía, comienzo con movimientos, pasos, trabajo conmigo mismo o con los miembros de la compañía, y de ahí, continua la danza."

La independencia de música y movimiento, el desplazamiento en un espacio escénico que rompió con las reglas tradicionales, la búsqueda de lo fortuito rigurosamente calculado y controlado. Cada uno de estos elementos construye un camino creativo que marca ese estilo tan particular, irreemplazable, de Cunningham. Más allá del paso del tiempo, el lenguaje del cuerpo está en continua evolución.

La Merce Cunningham Dance Company cumple 50 años con la Danza. Realización de Robert Rauschenberg. Gentileza de MCDC

Van Manen no se rinde
Por Rosa E. Corral (Holanda)

Hans van Manen, el coreógrafo holandés más importante, cumplió 70 años. Sin hacer caso a las reglas ni a los estatutos que estipulan que a los 65 años hay que optar por el retiro, Van Manen sigue creando y montando sus ballets por todo el mundo. «Me miro en el espejo y digo: sí, ya tienes tus añitos. Pero en cuanto me doy la vuelta ya no pienso lo mismo. Uno tiene la edad que siente.» Varios libros sobre su vida y obra, y una larga lista de premios (el Sonia Gaskellprijs en 1991, el Deutsche Tanzpreis en 1993 y el Erasmusprijs en el 2000), son el saldo de más de 50 años con la danza.

A principios de siglo la danza en Holanda se encontraba en pañales. No existía una tradición de danza clásica, si bien la incipiente danza moderna contaba con más adeptos que el ballet. Hecho que se debió principalmente a bailarinas del calibre de Isadora Duncan, que triunfaron en Holanda y cuyo mérito consistió en sentar las bases de una danza libre y expresiva, diametralmente opuesta a la rigidez del ballet clásico. El expresionismo alemán, por su parte, contó con la simpatía del público holandés durante los años treinta.

La Segunda Guerra Mundial rompió el panorama cultural y, una vez terminada la guerra, surgieron otras corrientes e iniciativas. La primera fue la fundación del Scapino Ballet (1945), que tenía como objetivo educar a los niños en el arte de la danza. Por otra parte, y como consecuencia de los sentimientos antigermánicos, la mirada vuelve hacia el ballet clásico como alternativa frente al expresionismo y se fundan tres compañías que, en 1961, se fusionan en una sola, el Het Nationale Ballet, dirigido por Sonia Gaskell.

Hans van Manen aprendió la técnica académica rusa a través de Gaskell. Ella fue su primera profesora, la cual un buen día le recomendó que abandonara la idea de seguir con la danza ya que, según ella, «Hans no tenía talento». Van Manen no prestó atención a tal consejo y continuó sus lecciones con Francoise Adret y bailó en su compañía desde 1952 hasta 1959. Del cine aprendió la danza moderna americana. «Cuando no estaba bailando, estaba en el cine.», confiesa. Fred Astaire, Vera Allen, Ann Miller, Gene Kelly y Jerome Robbins son, entre otros, los inspiradores de sus primeras coreografías.

Un acontecimiento de suma importancia en la historia de la danza holandesa fue la fundación en La Haya del Nederlands Dans Theater (NDT) en 1959, año en el que Hans van Manen estaba trabajando en París en la compañía de Roland Petit. En 1960 regresó a Holanda para trabajar en el NDT como bailarín y coreógrafo, y un año más tarde lo eligieron director artístico. Cargo en el que estuvo durante diez años. En 1963 dejó de bailar para dedicarse, con exclusividad, a sus tareas de coreógrafo y director artístico. En estos años evolucionó su estilo. Pasó del jazz americano de los shows y musicales de los años 50 y 60, a un estilo abstracto, más estilizado. Centró su preocupación por la estructura del ballet, la funcionalidad del movimiento y su relación con la música.

En 1971 abandonó el NDT y durante dos años trabajó como coreógrafo independiente. Luego aceptó el cargo de coreógrafo estable en el Het Nationale Ballet en Amsterdam. Su estilo se volvió más clásico, dada la formación de los bailarines y el repertorio de la compañía. Se inclinó por la simplicidad y la reducción de medios. No pretendió contar historias, si bien en sus obras siempre subyace una trama delineada de un modo sutil. El eterno juego de atracción y rechazo, la tensión en las relaciones humanas. No obstante, los sentimientos y las emociones están siempre bajo control. En sus ballets, la mujer es un ser superior, ella domina y el hombre parece no tener el más mínimo inconveniente en ello, como si fuese una ley natural.

En 1988 vuelve al Nederlans Dans Theater como coreógrafo estable junto a Jiri Kylian y a Nacho Duato. Mientras tanto, sus obras comenzaron a recorrer el mundo a través de compañías como The Royal Ballet, The National Ballet of Canada, The Houston Ballet, The Royal Danish Ballet, Berliner Staatsoper (Ballet de la Opera de Berlín), Staatsoper Wien (Ballet de la Opera de Viena) o la Compañía Nacional de Danza de Madrid.

Hans van Manen tiene en su historia más de cien ballets, alrededor de sesenta de ellos fueron creados para el NDT y treinta, para el Het Nationale Ballet. Su planteo coreográfico suele definirse a través de conceptos como la sencillez, la elegancia, la musicalidad, el humor y la transparencia. Funcional, geométrico, matemático, nítido y estilizado, su estilo evita la narración, la anécdota, lo decorativo y apuesta por la búsqueda de lo esencial y las líneas bien definidas. Por todas estas características le ha valido el sobrenombre de "Mondriaan de la Danza".