Ton Simons, el escultor
Por Rosa Corral (Holanda)

Perfección en la línea, sutilidad técnica, dominio, dinamismo o quietud extrema. Composiciones de movimiento cuidadas hasta el detalle. Casi un escultor, Ton Simons, artesano de la danza, se instaló durante dos décadas en Nueva York donde estudió y dirigió su propio grupo, "Ton Simons and Dancers". Más de una vez tuvo que volver a su país natal, Holanda, para atender la demanda de sus ballets. "Grace", por ejemplo, que en 1990 obtuvo el Premio de Coreografía de la Asociación Holandesa de Teatros, "The Idea of Order", nominada en 1993 para el mismo premio y "Song", premiada en 1997 con el Sonia Gaskellprijs. Estas y otras obras forman parte del repertorio de diversas compañías en Europa y los Estados Unidos. En la actualidad es director de la compañía Dance Works Rotterdam.

Creció en un pequeño pueblo del sur de Holanda. Un día vio unas fotos del New York City Ballet y quedó fascinado. Era apenas un niño de 11 años y no tenía muy claro que "hacer danza", también existía. Más tarde, cuando estaba en la Art School en Breda, descubrió a la Merce Cunningham Dance Company. Fue entonces cuando tomó conciencia de que la danza podía funcionar como parte de las artes visuales. "Quedé enganchado", confiesa. Después de ese primer encuentro con el trabajo de Cunningham comenzó a leer sobre danza: Nijinski, Nijinska, Balanchine, y todo lo que podía llegar a sus manos. Cuando era un estudiante de la Rotterdam Dance Academy iba con bastante frecuencia a ver al Netherlands Dance Theater, admiraba las obras de Hans van Manen y de Glen Tetley, y estaba enormemente impresionado por los bailarines.

Hoy, Ton Simons forma parte ese núcleo variado de coreógrafos que coloca a Holanda en un lugar privilegiado dentro de la danza internacional. Bailarinas como Joke Zijlstra, Caroline Harder, Gaby Allard y bailarines como Tim Persent y Raymond Esterhuizen, entre otros, acompañan este proceso creativo al dar forma a sus ballets.

D: ¿Qué factores juegan una parte importante en su trabajo?
TS: En primer lugar, los bailarines con los que trabajo. Luego, los problemas básicos como el tiempo disponible para el estudio, el presupuesto y elementos similares.

D: ¿Hasta qué punto se siente inspirado por sus bailarines? ¿Tiene otras fuentes de inspiración?
TS: El talento individual de los bailarines incita mi inspiración. Un bailarín con un fenomenal balance, me hace pensar en qué es lo que puedo hacer con eso. Un bailarín con grandes saltos me provoca a jugar con los saltos. Alguien que posee gran fluidez o una fantástica habilidad rítmica, me permite la posibilidad de incorporar eso en el trabajo. Es como cocinar. Aprendes a descubrir qué es lo particularmente delicioso de tus ingredientes y piensas los caminos para realzar esas cualidades en lo que estás cocinando. Naturaleza y cultura son recursos infinitos. Poetas, músicos, artistas plásticos, filósofos o científicos me ayudan a elaborar mi propio pensamiento.

D: ¿En qué medida el entorno influye en su trabajo? El hecho de vivir y trabajar en Rotterdam, por ejemplo.
TS: No demasiado, ahora. Creo que tener acceso a la experiencia es más importante cuando eres muy joven. Es entonces cuando necesitas empaparte de la mayor información posible para alimentar tu crecimiento. A esa edad eres como una esponja seca. A medida que la vida avanza, la esponja se va empapando gradualmente. En un sentido, te vuelves como un recurso de ti mismo. También pienso que esto ocurre porque la cultura actual es más global, al punto que los localismos van perdiendo importancia. Aún sentado en el medio del desierto tienes acceso a la biblioteca del Vaticano a través de tu computadora personal.

D: ¿Cómo descubrió y desarrolló su estilo?
TS: Cuando trataba de hacer mis primeras cosas sentía que estaba a la deriva. Necesitaba un marco de referencia para poder fundamentar mis decisiones coreográficas. Fui a Nueva York para aprender de quienes consideraba los mejores recursos posibles: Merce y Balanchine y todo lo que pasaba allí en términos de danza y arte. Empecé a guardar apuntes para poder desarrollar una coherencia en el campo del pensamiento que sirviera de base para hacer danza. Y eso fue lo que continué haciendo. Básicamente el proceso deja esto: tú piensas un camino para hacer danza, lo haces y lo ves mientras lo haces. De acuerdo con tu marco de referencia juzgas paso a paso y continúas desde ahí.

D: ¿Cuáles son las metas o puntos de partida de su compañía?
TS: Lo que hacemos surge del interés por el movimiento en sí mismo. La compañía está enfocada en expandir los límites físico, espacial y musical del movimiento, articulado con la pura danza viva, con coreografías contemporáneas realizada por bailarines técnicamente fuertes y mentalmente emprendedores. Esta es nuestra misión.

D: ¿Cuál es su idea estética?
TS: No estoy muy seguro que se pueda llamar idea, pero tiendo a pensar algo similar a esto: ningún movimiento es en sí mismo bello o feo. Es simplemente lo que es. Las cuestiones estéticas entran en el cuadro según como se mire. Cómo se puede comparar una cosa con otra, sin tener en cuenta el contexto y el contenido. El proceso de mirar y percibir es algo que me fascina. Un día vi a un borracho viejo y sucio abandonado en la calle. Era espantoso, pero quedé golpeado por la inmensa elegancia de su caída. Cuando hago las cosas trato de ser lo más eficiente que puedo y dejo de lado todo lo que no pertenece al trabajo que estoy haciendo. Prefiero la objetividad a la subjetividad. Procuro la claridad y la funcionalidad poética.

D: Sus bailarines tienen diferente procedencia étnica. ¿Hasta qué punto su trabajo esta influido por la herencia cultural?
TS: Soy una persona muy visual y trabajo con lo que veo. Trato de tomar lo mejor de sus habilidades y de dejar que brillen con lo que les hago hacer.

D: ¿Cómo se plantea las nuevas obras? ¿Cómo decide cada uno de los elementos que la componen?
TS: Lo que habitualmente sucede es que mis anotaciones contienen una cantidad de cosas. De esos apuntes tomo, por lo general, una idea que es la más cercana a las opciones que no tomé en cuenta en mi último trabajo o que contrasta con la última obra que terminé. Ahora que estoy a cargo del repertorio de la compañía, donde coreógrafos invitados presentan sus trabajos, la tarea de elaborar un repertorio balanceado cae sobre mí. Ese punto también juega su rol en lo que decido hacer. Una vez que elijo el proyecto de mi cuaderno de apuntes, trato de traducir los parámetros de la idea en movimientos equivalentes ("Hacer tiempo oscilando en corredores espaciosos y ondulantes"). Este movimiento determina todo lo relativo a las elecciones: música, texto, como socios independientes en el diálogo. La luz ilumina como un tercer jugador en el juego de la comunicación. La escenografía la uso sólo cuando contribuye en una dimensión indispensable con el movimiento. Prefiero un vestuario que no oculte el movimiento.

D: ¿Cuál es la diferencia entre ser un artista en los Estados Unidos en oposición con Europa?
TS: No puedo contestar esa pregunta en general, puedo hablar por mí mismo. La gran diferencia es que en Holanda recibo dinero para trabajar y en los Estados Unidos tengo que hacer dinero.

D: ¿Cuál es su lugar, Nueva York o Rotterdam?
TS: "El hogar" es el lugar donde estoy trabajando. Frente al resto, me siento como un visitante curioso, con tiempo limitado, que disfruta de la vida lo más posible donde esté. Sigo manteniendo mi apartamento en Nueva York y sigo en contacto con gente de allí.

D: ¿Cree que es justo que lo comparen a menudo con Merce Cunningham?
TS: Merce está siempre delante de mí. Su trabajo tiene su sensibilidad y el mío, la mía.

D: ¿Qué es lo que le da la danza y qué es lo que le quita?
TS: La danza me da todo lo que soy. Mi interés por la danza se extiende a todo lo que pienso y hago. Hay cierta soledad en eso, pero el indescriptible placer que obtengo al poder trabajar y pensar en danza, con bailarines, músicos, diseñadores, artistas y un grupo de gente brillante, me hace tomar conciencia constantemente de que tengo una existencia privilegiada.

D: ¿Le gusta trabajar con compañías de ballet clásico?
TS: Lo hice con Pacific Northwest Ballet en Seattle (1995 y 1996) y con el Tanztheater der Komische Oper en Berlin (1998). Como muchas compañías de ballet clásico de estos días, también realizan trabajos de danza contemporánea y por lo tanto, los bailarines están expuestos a caminos no tradicionales del movimiento. En general pareciera que les gustan los desafíos frente a diferentes posibilidades. Y a mí también. Siempre elijo bailarines con un extenso entrenamiento de ballet, lo hice para mi compañía de Nueva York y también para Dance Works Rotterdam. Musicalidad, ritmo y dinamismo dan un sentido cinético que es importante para los bailarines de danza clásica y moderna, especialmente cuando esa cinética lógica difiere de otras que son familiares. Una vez que "lo tienes" es un interesante descubrimiento más que una frustración. Ese intercambio entre los bailarines y yo es, básicamente, lo mismo en cualquier situación de trabajo, en tanto que las dos partes estén equipadas y tengan la mente abierta.

D: ¿Cuáles son sus planes para el futuro tanto a largo como a corto plazo?
TS: Hacer de Dance Works Rotterdam una de las más interesantes galerías de excitante, innovadora y pura danza contemporánea.

El lago siempre vuelve
Por Mercedes Borges Bartutis (Desde Varsovia-Polonia) *

A cien años del estreno de "El lago de los cisnes" en Varsovia, los polacos festejaron la fecha con una serie de funciones de este clásico del ballet. La sala del célebre Teatr Wielki estuvo abarrotada de fanáticos, deseosos de ver una nueva versión de este clásico. Con la llegada de la primavera, los teatros polacos tienen una activa programación, con un amplio espectro de posibilidades, para un público que habitualmente llena las salas.

Se dice que la zona entre la calle Senatorska y Plac Teatralny fue el centro comercial y cultural de Varsovia desde finales del siglo XVIII, hasta mediados del XIX. De aquella época quedan en el lugar imponentes edificios neoclásicos. El Teatr Wielki (Gran Teatro), ubicado en Plac Teatralny, es una de las mayores construcciones de estas características en Europa.

La historia de "El lago de los cisnes" se remonta a los años finales del siglo XIX, cuando en la capital polaca reinaba una abrumadora pasividad en relación con su propio ballet. Sin embargo, se dice que en los años finales de ese siglo Lev Ivanov quería montar en Varsovia tres grandes producciones, y la primera tenía que ser, por fuerza, "El lago…" No obtante, Rafael Grassi, en aquel entonces director del conjunto de ballet del Teatr Wielki, quien había visitado San Petersburgo para conocer el montaje de Petipa-Ivanov, decidió crear su propia versión.

Grassi creó su equipo para llevar a cabo la gran producción en la que pretendía que todo el elenco fuera polaco. Para ello contaba con una excelente bailarina, apta para encarar el doble rol de Odette-Odile. Mijalina Roginski era el nombre de la única intérprete polaca que poseía condiciones técnicas e histriónicas para encarar los retos de esta obra.

Sin embargo, esta joven bailarina con suficientes dotes naturales para realizar el sueño de cualquier intérprete femenina, apostó por su matrimonio y dejó al ballet de lado. Grassi tuvo que acudir a las italianas y contrató a Cecilia Cerri, quien llegó a Varsovia a finales de septiembre de 1900. Como "prima ballerina", la Cerri tenía derecho exclusivo sobre algunos papeles del repertorio del conjunto varsoviano. Además, el contrato contenía una cláusula en la cual nombraba como única sustituta de la Cerri, a la bailarina polaca Helena Rzadcowna, una joven de gran talento.

El 30 de diciembre de 1900 se realizó el tan anunciado estreno de "El lago de los cisnes", en medio de la exaltación del público y una gran cantidad de comentarios en la prensa polaca. Se dice que lo más comentado fue la música de Piotr Tchaikowsky. Los críticos del momento le dedicaron amplios espacios. Zygmut Noskowski escribió el 31 de diciembre de 1900 en Correo de la mañana: "Vemos pues que en ‘El lago…’, la música ha tenido una importancia de primer orden. Gracias a esto el ballet está por encima de todo lo visto anteriormente en Varsovia, porque normalmente en el ballet la música está en el último sitio y aquí está en un primer plano. En esta partitura ningún tambor se ha salido de los tactos, ningún violín ha tocado una melodía trivial, sino que todo ha estado muy bien. La forma sinfónica es el talento más excelente que tiene Tchaikovsky y le ha dado a este ballet toda una atmósfera profunda, logrando que la orquesta la ejecute con mucho gusto."

Según las notas al programa, también la puesta en escena tuvo críticas favorables. Se comentó sobre su atmósfera y su gran poética. Los cronistas resaltaron la figura de Cecilia Cerri, y señalaron que había hecho una feliz conjugación del virtuosismo y la interpretación, donde se apreciaron los valores de la escuela italiana, con una fabulosa delineación y caracterización de los personajes de Odette y Odile. A la Cerri se la puso como ejemplo de lo que un bailarín polaco debería hacer en el escenario.

Ahora, en el año 2002, el conjunto de ballet del Teatr Wielki asumió "El Lago…" desde una perspectiva contemporánea, aunque se mantuvieron ciertos elementos de la tradición clásica, que conservaron el encanto a la obra. El ruso Irek Mukhamedow, quien hizo la adaptación de la obra, declaró a la prensa polaca: "Para ser fiel a la realidad de los hechos, mis héroes son un poco contemporáneos pero no del todo. Sigfrido es el típico príncipe de leyendas, pero es un joven que estudia en la escuela de cadetes de la corte. No quería agredir al público con una nueva concepción, preferí conservar el clima de la partitura de Tchaikowsky. En ningún momento he olvidado que este ballet se presenta en la escena del Teatr Wielki de Varsovia, y por eso quise conservar las mejores tradiciones del ballet clásico."

La puesta en escena resultó elegante y coherente, en sentido general, mientras que los decorados y los efectos especiales tuvieron un rol principal. Los bailarines polacos que asumieron los roles de solistas lucieron bien en sus desempeños, al igual que el cuerpo de baile. Los protagónicos, ejecutados por los bailarines rusos invitados Jekatierina Bieriezina (Odette-Odile) y Vladimir Murawliov, cumplieron con las reglas elementales de esta gran obra de Petipa e Ivanov. Más allá de la realización artística, tal vez lo más impresionante fue ver la actitud del público ante el ballet clásico, ante su ballet, que no es lo mejor de su cultura, pero también es su cultura.

* Este artículo fue posible gracias a la invitación especial de Agata Gawronska-Bauman y Adam Barman, a través de la revista Teatret.

Se viene el musical
Por Maritza Gueler (USA)

Desde hace alrededor de 20 años, la Argentina inició un interesante camino de exploración en el área de la comedia musical. Prueba de ello fueron las diferentes obras de este género que se estrenaron desde entonces hasta hoy, como también las versiones en español de clásicos como "Los miserables" y "Cats" entre otros. Como una nueva oportunidad para los jóvenes bailarines argentinos que buscan proyectarse a nivel nacional e internacional, surge la Compañía Internacional de Teatro Musical. Un proyecto gestado entre el coreógrafo americano Chet Walker, creador del musical "Fosse" y director del área de teatro musical del Jacob’s Pillow Dance Festival (Estados Unidos) y Ricky Pashkus, director de musicales como "Candombe Nacional", "Mi Bello Dragón", "Bocca-rock" y otros.

Ambos coreógrafos se conocieron hace tres años cuando Walker visitó Buenos Aires, contratado por el Estudio Julio Bocca para dictar un seminario de Teatro Musical, en representación del Jacob's Pillow Dance Festival. En esa oportunidad nació una relación de gran afinidad entre Walker y Pashkus, que termino en la selección de dos becarios, para que participaran en los seminarios del Jacob’s Pillow Dance Festival. Uno de los elegidos fue subvencionado por el festival y el segundo, por la Fundación Julio Bocca.

Un día, Chet Walker le preguntó a Pashkus: "¿Qué te gustaría hacer si consigo el dinero y los medios?" La respuesta fue: "Darle a los bailarines jóvenes de interior del país, la oportunidad de estudiar y perfeccionarse." En la actualidad, esos becarios, surgidos del Proyecto Intercambio, integran algunas de las más prestigiosas compañías de Buenos Aires. "Cuando aparecieron las dificultades económicas -comenta Pashkus-, tanto Chet en Nueva York como yo desde Buenos Aires, nos movimos para conseguir subvenciones privadas e institucionales. En síntesis, de todos estos vaivenes fue creciendo una gran amistad basada en la afinidad en los logros en el aspecto docente y al mismo tiempo, de una gran afinidad artística, ya que somos dos coreógrafos dedicados al teatro musical. Así, surgió la decisión de crear esta compañía."

En agosto se realizaron las audiciones para seleccionar doce bailarines con el padrinazgo de artistas de gran prestigio en la escena argentina como la cantante Valeria Lynch y los actoresa Juan Leyrado y Enrique Pinti. La compañía hará su gran debut el 10 de octubre en el Teatro Presidente Alvear, con vestuario de Nene Murua, una de las más reconocidas realizadoras del medio. Pashkus presentará "Hombres" con música de Faure, interpretada en piano por Gaby Bernasconi, con la participación del actor Juan Leyrado que oficiará de guía en esta especie de investigación del mundo de la masculinidad. Walker, por su parte, presentará varias obras que incluyen, entre otros temas, tangos de Piazzolla.

"Nuestra idea -comenta Pashkus- es revelar los códigos coreográficos de la comedia musical. El objetivo es presentarnos en diferentes países e invitar a las primeras figuras del lugar para que se integren a la compañía durante esa temporada." El costo de las producciones corre por cuenta de Walker y colaboraciones privadas y públicas como Canal A y el Complejo Teatral Buenos Aires (ex San Martin).

Por el momento, cuentan con el presupuesto necesario para el desarrollo del primer espectáculo, el resto se irá consiguiendo con el tiempo. Más allá de las dificultades que se presentan en la Argentina para llevar adelante cualquier proyecto cultural, Pashkus confiesa: "Se hace en la Argentina porque aquí nos conocimos, los dos amamos este país. Por otra parte, y en función de que la situación económica actual lo permite, la idea fue siempre que ‘the home’ sería la Argentina. Además de su relación personal conmigo, Chet tiene una relación profunda con la Escuela de Comedia Musical y me ha dicho, y sé que es sincero, que no ha visto otro sitio en el que se trabaje así."

Los musicales serán en castellano, y si se presenta la necesidad de traducción para presentarlos en otros países, serán interpretados en el idioma original. "Por ahora, y en principio, estamos interesados en la creación de obras que reflejen nuestro sentir y que den trabajo a los bailarines. Por lo demás, sólo debemos confiar en que en un futuro surjan otras posibilidades, mas allá de las planeadas, imaginadas y fantaseadas. Si bien no están aseguradas desde el punto de vista económico, están intuidas desde el corazon."

Latinoamérica unida
Por Noemí Grau (Desde México)

El ideal de integración latinoamericana propuesto por el Libertador Simón Bolívar en el siglo XIX permanece latente por su viabilidad histórica. Alternativas para avanzar en su consolidación son, entre otras, el arte y la cultura de los pueblos del sur del continente.

Patricia Aulestia y Patricia Flores crearon un espectáculo con este espíritu. "Expresión Bolivariana" está integrado por las danzas y la música más representativas de los países bolivarianos, Venezuela, Colombia, Ecuador, Perú y Bolivia, interpretadas por artistas oriundos de esas naciones radicados en Ciudad de México.

A fines de agosto, "Expresión Bolivariana" tuvo su estreno mundial en su gira por Chiapas, San Cristobal de Las Casas Tuxtla Gutiérrez y Tapachula, recorrido en el que ovacionaron las interpretaciones de cada uno de los artistas que, con pasión y entrega, rindieron homenaje al libertador de las cinco naciones. Especialmente compuesto para iniciar el programa se escuchó a manera de himno "5 Veces Bolívar", letra de Coco Manto y música de Efrén Luna, director de "Viento y Madera".

En Ecuador, Bolívar amó con pasión de hombre (ella se llamaba Manuelita) y allí también prendió el fuego de la soberanía para el Perú y Bolivia. Aulestia y Nelson Díaz en sus "Remembranzas andinas" plasmaron la pasión por la tierra y la latente rebelión de sus indígenas. Danza expresionista y etnocoreografía se amalgamaron para representar a la tierra de Atahualpa y Guayasamín.

Dentro de esta conjunción de cinco naciones, Venezuela, cuna del visionario Bolívar y de Andrés Bello, dejó lugar a las más entrañables formas populares. Expresión palpitante de danzas, cantares y cantores que se cimbran con el timbre feliz del cuatro y el arpa venezolana, reviven en la plena voz de su embajadora Deyanira Vivas su identidad artística y cultural en las conocidísimas melodías "Moliendo café" y "Alma llanera". Ritmo, en música y movimiento, como lo propuso en su tierra la extraordinaria bailarina Yolanda Moreno.

Bolívar dio cauce a la creación de la Gran Colombia, en el país que huele a café y se mueve en la gracia de la cumbia, el ballenato y el mapalé. La Colombia de Gabriel García Márquez, encuentra en José Castillo la más auténtica espontaneidad en su manera de hacer música y danzas. Colombia del oro, del café, del petróleo, patria del cuestionamiento social.

Bolívar, San Martín y Sucre ganaron en Perú las batallas de Junín y Ayacucho y con ellas pusieron fin a la dominación española. El Perú serrano, el de César Vallejo y Mario Vargas Llosa contrasta con las coreografías del Ballet Afro-peruano de Lucy Valiente, con los dinámicos "Ingá", "Afro", "Alcatraz" o "El Festejo". El Perú de la bordona, del cajón y de la mazamorra limeña.

A Bolivia quiso el Libertador llamarla "su hija predilecta". Patricia Flores –directora general de "Expresión Bolivariana"–, en su "Así es Bolivia", muestra a su tierra a través de músicos y bailarines. Patricia y Jesús Bárcenas recrean "Caporales", danza mayor de la utopía boliviana y "La Diablada", danza colonial que supone la lucha del bien y el mal, anclada en la tradición de los mineros y su culto a los genios del subsuelo.

"Expresión Bolivariana" acompañada por la música en vivo de "Ankari", dirigido por Román González, es una nueva perspectiva cultural, donde la música y la danza son protagonistas, para revelar una historia apasionada y libertaria que rescata la condición del ser latinoamericano.