20th NEXT WAVE FESTIVAL
En la vanguardia
Por Maritza Gueler (USA)

Con el estreno de la ópera "Galileo Galilei" de Philip Glass y Mary Zimmerman, se inició, en el primer día de octubre, el 20th Next Wave Festival realizado por la Brooklyn Academy of Music (BAM). Un encuentro con diferentes disciplinas artísticas que se extenderá hasta el 22 de diciembre, y que reunirá las propuestas más renovadoras de la escena mundial. Reconocidos artistas enrolados en la vanguardia desfilarán por los escenarios de BAM Howard Gilman Opera House y del BAM Harvey Theater. Muchos de ellos, relacionados con el festival desde sus comienzos, como el compositor Philip Glass, y otros, como el Grupo Corpo de Brasil, harán su debut en este vigésimo aniversario.

Fue en noviembre de 1981 cuando se sembró la primera semilla de lo que, tiempo después, se llamaría 1st. Next Wave Festival. La ópera que se estrenó entonces fue "Satyagraha", de Philip Glass, la primera de los cuatro eventos de otoño presentados por la BAM con el nombre de The Next Wave/New Masters. Al año siguiente fue Laurie Anderson quien protagonizó un nuevo suceso. Luego de dos temporadas auspiciosas, la idea de crear un festival diferente que uniera a todas las artes en nueve semanas, fue la motivación principal. En 1983, luego de un largo proceso en busca de patrocinadores, Philip Morris Companies se convirtió en un pilar fundamental para la realización de este festival. Con los mejores augurios, la participación de jóvenes artistas y la fidelidad de un público entusiasta, se realizó la primera edición de este ciclo que, hasta hoy, ha presentado alrededor de mil espectáculos de diferentes tendencias y estilos. Cine, teatro, literatura, danza, música, ópera, artes visuales y videos forman parte de las propuestas que desfilan por Brooklyn.

"En el festival de este año -afirma Joseph V. Melillo, productor ejecutivo del BAM-, nos hemos guiado por dos principios que definen y que continuarán definiendo la esencia de este evento: el deseo de presentar nuevas y significativas piezas de reconocidos artistas, y también, la presentación de trabajos de nuevos creadores." Un encuentro con artistas del pasado y del presente, permite que el Dublín’s Abbey Theatre retorne al BAM después de su última presentación en 1976, con un clásico protagonizado por Fiona Shaw, "Medea", con la dirección de Debora Warner. El director Yukio Ninagawa, regresa con una nueva producción de "Macbeth", de la misma manera que Mark Morris presentará su estupenda versión de "Hard Nut", una mirada sarcástica a la sociedad contemporánea, inspirada en "Cascanueces".

"BAMdialogues" es una serie de debates informales que reúnen creadores de vanguardia en teatro, danza y música. Allí estarán, entre otros, el director Yukio Ninagawa, el co-director artístico de la compañía Schaubühne am Lehniner Platz, que llegan desde Alemania con una obra de Sasha Waltz, el compositor Steve Reich y el realizador Beryl Korot quienes crearon la obra "Three Tales", un video documental digitalizado que abarca aspectos de la innovación tecnológica del siglo XX. "El suceso del BAM a través del Next Wave Festival permitió hacer crecer a esta institución como una organización dedicada a espectáculos donde se funden propuestas eclécticas", confirma Timothy U Nye, presidente del comité del festival.

Desde el 4 de octubre hasta el 2 de enero, se realiza una muestra paralela, "BAM! BAM! BAM! Catching the Next Wave for 20 years", que exhibe en el hall de las Américas del Brooklyn Museum of Art. Allí se instaló una pantalla gigante donde se proyectan imágenes de archivo y videos de obras y artistas que desfilaron por el BAM durante estos 20 años. Por otra parte, "BAMtalk: Art in the 80s", es un foro público de discusión presentado por la Alliance for the Arts, que se realizará el 8 de noviembre y que reunirá artistas y comentaristas del ámbito de la cultura, quienes detallarán la fertilidad creativa de este período. Intervendrán en estos encuentros, el compositor Philip Glass, la autora Roselee Goldberg y Roberta Smith del New York Times, entre otros.
Dos nuevas versiones de teatro clásico, tres trabajos multidisciplinarios que combinan música contemporánea con efectos visuales, la nueva ópera de Glass-Zimmerman, tres eventos musicales, cinco programas de danza contemporánea, música en vivo, artes visuales, films y videos, forman parte de estas trece semanas donde el arte del nuevo milenio tiene una cita insoslayable.

"VIENTO, VOLUMENES Y VECTORES" libro de Gigi Caciuleanu
Un alfabeto para el movimiento
Por Sandra Bustos (Chile)

El Ballet Nacional Chileno ya no es el mismo. Con sus 56 años de existencia nadie podría negar su desarrollo y sus constantes innovaciones, así como también, sus momentos de desaciertos y desidia. Hace un par de años la compañía adquirió una energía nueva y diferente. El responsable: el bailarín y coreógrafo rumano-francés Gigi Caciuleanu, quien desde 1997 trabajó como coreógrafo invitado del Ballet Nacional para quedarse definitivamente como director artístico en el 2001.

"Mozartíssimo", "Las Cuatro Estaciones", "Oskolki", "Gente", "Cuerpos", son sólo algunos de los trabajos donde ha explotado al máximo la calidad de sus bailarines. Su energía arrolladora le permitió concretar un proyecto inconcluso: su libro "Viento, volúmenes y vectores", editado por la Facultad de Artes de la Universidad de Chile. Un libro que surgió de su necesidad de comunicar cosas que, a su entender, son difíciles de comunicar: clases diarias, el contacto con los bailarines y la relación con el público. "Me interesa que el público pueda tener una llave para descifrar lo que hacemos -afirma-. La gente juzga un espectáculo de danza desde un punto de vista más teatral a través de las artes plásticas, las luces, el vestuario. Son pocos los que analizan realmente el movimiento, incluso nosotros los bailarines y coreógrafos no lo hacemos. Siempre tuve esa necesidad de medir algunas cosas que no se pueden medir, pero que se pueden descifrar con aproximaciones. Eso es lo que hacen los músicos cuando leen una partitura. Mi intención fue inventar más un alfabeto que un vocabulario, porque con un alfabeto puedes hablar muchos idiomas, con las palabras hablas un solo idioma."

Danza: Suena como un contrasentido que un bailarín necesite de las palabras para expresar su arte
Gigi Caciuleanu: Todos necesitamos palabras, esta es la manera humana de comunicarnos. El problema no es tener palabras, el problema es tener la palabra justa en el momento justo, y que corresponda a lo que quieres decir exactamente. Siempre es un peligro cuantificar y nombrar las cosas. Al mismo tiempo, pienso en la parábola de Jesús que cazaba a los demonios al nombrarlos. Pero por otro lado sé que el nombre de Dios no se puede decir. Es un camino entre los dos peligros: nombrar demasiado o no poder nombrar nada. Además creo que la voz es también una parte del cuerpo, no es solamente un atributo teatral. La voz está expresando algo dentro del cuerpo.

D: Cuando decidiste escribir el libro, ¿tuviste en cuenta lo que se había escrito sobre danza en Chile?
GC: No, porque no es un libro de danza, sino un libro sobre mí danza, un libro sobre la danza de mí vientre. No sé todo lo que se ha escrito en Chile, pero conozco algunas cosas que se han escrito en el mundo y siempre ha habido un acercamiento anatómico de la danza, y eso era lo que no quería hacer. La danza debe tener sus propias expresiones. A veces no me importa cuántos huesos tiene un pie, lo que me importa es un acercamiento poético o filosófico. Creo que un gran pianista no está obligado a conocer la anatomía de la mano. Hay otras formas de percibir el instrumento de trabajo.

D: ¿Cómo has visto progresar a la compañía desde que estás en Chile?
GC: Mi trabajo consiste en hacer progresar a la compañía, eso me propuse y eso voy a hacer. Pero progresar en qué sentido, en el sentido de que el Ballet Nacional tiene como misión ser algo más que un ballet tipo "municipal" o que una compañía de danza independiente. Mi ambición es que nadie en el mundo pueda hacer la misma cosa que hacen ellos.

D: ¿Qué te ha entregado a ti el Ballet Nacional?
GC: Cada día se aprende algo. Del Ballet Nacional y de los chilenos en general, aprendí cómo exteriorizar algunas cosas que están muy escondidas. A primera vista los chilenos son muy fríos, muy retenidos, tienen una sonrisa muy linda pero distante. A través de la danza -donde descubres a las personas como son-, encontré el temperamento volcánico de los chilenos. Esto fue para mí una verdadera experiencia, porque pensaba que trabajaba con hielo y en realidad lo hacía con fuego. Esta mezcla de fuego y hielo es una etapa muy importante de mi vida como creador. Me di cuenta de que a veces el hielo puede quemarse y que el fuego puede ser frío.

D: ¿De qué manera esa revelación influyó en tu trabajo como coreógrafo?
GC: "Cuerpos" es un homenaje a los cuerpos de los bailarines del Ballet Nacional. Lo hice en muy poco tiempo, en tres días, aunque después lo trabajamos en cuatro o cinco meses. Cuando vine, los bailarines me motivaron a crear y lo hice. Fue hecho como un acto de admiración y de amor para estos chicos que son fantásticos. Ellos también sintieron eso. Son momentos privilegiados en la vida de una compañía y en la vida de un creador. En este momento mi compañía es el Ballet Nacional. Las otras compañías me ayudan y me nutren para que pueda compartir esas experiencias con "mi" compañía actual.

FESTIVAL INTERNACIONAL DE BALLET DE LA HABANA
En el reino de Alicia Alonso
Por Noemí Grau (USA)

El lugar es La Habana, Cuba, ciudad de la que nadie puede escapar de su embrujo. La cita es desde el 19 hasta el 28 de octubre. Promovidos por la soberana absoluta de la danza cubana, la inefable Alicia Alonso, estos encuentros con la danza comenzaron en 1960 como una iniciativa del Ballet Nacional de Cuba, el Instituto Nacional de la Industria Turística y otros organismos culturales del gobierno. El Festival Internacional de Ballet de Cuba se convirtió en uno de los eventos más trascendentales de la cultura nacional cubana y del entorno internacional. Por entonces, la Gala de Apertura era una especie de apoteosis donde se conmemoraba la creación, en 1948, del Ballet Alicia Alonso, hoy, Ballet Nacional de Cuba (BNC). Bailarines, compañías y coreógrafos de Alemania, Argentina, Brasil, España, Estados Unidos, Francia, Italia y México se reunirán en esta décimo octava celebración de la danza.

En cada edición de este célebre festival, los organizadores enfatizan diferentes temáticas. En estos 42 años de vigencia del Festival Internacional de Ballet de La Habana, que se realiza cada dos años, participaron más de cincuenta compañías extranjeras y cerca de un millar de invitados entre bailarines, coreógrafos, pedagogos, diseñadores, compositores y críticos. Alrededor de cincuenta países de los cinco continentes dieron el "presente" en las sucesivas ediciones. Se estrenaron cerca de 740 obras, 192 de ellas fueron estrenos mundiales.

Estos encuentros sirvieron de marco apropiado para festejar aniversarios. En 1978, el 30 cumpleaños del BNC y los 35 años del debut de Alonso en "Giselle". En 1988 se celebraron los 150 años del Gran Teatro de La Habana, sede principal del Festival y de las presentaciones habituales de la compañía cubana. De igual forma, en 1992, el protagonismo le tocó al 5° Centenario del Encuentro de las Culturas Europea y Americana, en conmemoración del descubrimiento de América. En esta nueva edición, primera del nuevo siglo, la propuesta es la reflexión acerca del presente y el futuro de la danza.

El Gran Teatro de La Habana, el Teatro Nacional y el Teatro Mella, de la Ciudad de La Habana; el Teatro Sauto, de Matanzas y La Caridad, de Santa Clara, serán las sedes principales del Festival. Entre los estrenos de este año: obras del español Ramón Oller, la norteamericana Suki Johns y la obra ganadora del 3er Concurso Iberoamericano de Coreografía 2002, que auspician la Sociedad General de Autores y Editores de España (SGAE), la Fundación Autor y el Ballet Nacional de Cuba.

Para los diez días del festival se programaron obras de Mijail Fokin ("Las sílfides" y "Petrouchka"), Marius Petipa (pas de deux de "La Bayadera", "Esmeralda", "La Bella Durmiente") y George Balanchine ("Ballo della regina", "Apolo", "Tchaikovsky pas de deux", "Tema y Variaciones"). También estarán en los escenarios de La Habana, "En la noche" de Jerome Robbins, "Bhakti" de Maurice Bejart, "Step Text" de William Forsythe, "Las intermitencias del corazón" de Roland Petit y "Arms" del italiano Mauro Bigonzetti, interpretado por Maximiliano Guerra.

Tal como ocurre en cada nueva edición, se presentarán en el Teatro Nacional (sala Avellaneda), las versiones completas de "Giselle" y "Don Quijote". La primera en subir a escena será la historia de Kitry y Basilio, interpretada por Carlos Acosta e Iñaki Urlezaga en los protagónicos masculinos. "Giselle", por su parte, contará con varias parejas internacionales como la integrada por José Manuel Carreño y Amanda McKerrow, ambos del American Ballet Theatre (ABT) y por Paloma Herrera (ABT) y Damian Woetzel del New York City Ballet. En la noche de despedida, Alexandra Ferri y Julio Bocca realizarán "Other Dances" de Jerome Robbins.

Las actividades paralelas y complementarias, ya tienen su espacio en este encuentro. Exposiciones, conferencias, ciclos de cine y video. Entre las presentaciones de libros más esperadas está la del historiador del BNC, Miguel Cabrera, "Festival Internacional de Ballet de La Habana (1960-2000), una cita de arte y amistad". El libro es una recopilación de datos generales, obras, bailarines, coreógrafos y cifras. También durante los días del festival se dictará un curso especial de técnica de ballet, para profesionales, maestros y estudiantes de nivel avanzado.

La figura de Alicia Alonso, está ligada estrechamente a la historia de estos festivales en sus diferentes funciones como bailarina, coreógrafa y principal inspiradora de estos eventos que reúnen lo mejor de la danza internacional.

Las compañías que hicieron historia

• Ballet de la Ópera de París. (Francia)
• Ballet del Teatro alla Scala de Milán, Compañía Danza Teatro de Turín (Italia)
• American Ballet Theatre, New York City Ballet, Kennedy´s Tap Dance Company y The Alvin Ailey Repertory Ensemble. (Estados Unidos).
• Ballet Bolshoi de Moscú. (Rusia)
• Ballet Estable del Teatro Colón de Buenos Aires y Julio Bocca Ballet Argentino. (Argentina)
• Real Ballet Danés. (Dinamarca)
• Ballet de la Ópera de Berlín, Conjunto de Solistas de la Komische Ópera de Berlín y el Gran Teatro de Dessau. (Alemania)
• Ballet Nacional Húngaro. (Hungría)
• Ballet Clásico de Guangzhou. (China)
• Ballet del Teatro Municipal de Río de Janeiro. (Brasil)
• Compañía Nacional de Danza de México
• Ballet de Zaragoza y Ballet Español de Murcia. (España)
• Conjunto Diástasis (Chipre)
• Introdans Ensemble Voor der Jeugd (Holanda)

Se señaló, además, la escasa información sobre las actuales manifestaciones de danza que existen en cada una de estas naciones. El aislamiento llega a límites alarmantes. El mercado de trabajo no funciona. El mercado interno no puede garantizar la subsistencia de las agrupaciones de danza. El abismo entre el apoyo oficial y las realizaciones independientes es casi insalvable. La tendencia a que la iniciativa privada auspicie las actividades culturales es una realidad en todo el continente. Otros auspicios no son suficientes y no benefician la excelencia en la calidad de la obra artística.

Más allá de los puntos referidos a las falencias, existió una particular ponderación a la inventiva, a la imaginación y a la voluntad de los genuinos creadores, como también, al alto nivel en el dominio técnico de los bailarines que logran sobrevivir en las latitudes de América Latina. Las compañías y los intérpretes que se presentaron en esta Bienal lo demostraron. En cuanto a los aspectos históricos, las principales influencias internacionales y la situación actual de la danza en los países que cuentan con una reconocida tradición en el desarrollo de la danza teatral, fueron motivo de análisis en este encuentro. Todo esto indica la urgente necesidad de lograr la unión de los profesionales latinoamericanos de la danza a través de redes y nuevas formas de organización que propicien la circulación de la información y busquen la manera de concretar futuros intercambios, proyectos conjuntos y recursos para llevarlos a cabo.

En esta fiesta de la danza, seiscientos coreógrafos presentaron sus trabajos, hubo siete estrenos mundiales, se realizaron ciento cuarenta y cinco funciones en diferentes teatros. Conferencias, cursos, ciclos cinematográficos y exposiciones, también formaron parte de este encuentro que reunió alrededor de trescientas mil personas. Localidades agotadas. La Bienal cuyo presupuesto es de cuatro millones de dólares aproximadamente presentó treinta y seis compañías de Latinoamérica y Francia. A esto se agregó una función para niños mayores de cinco años quienes, totalmente identificados con el Ensamble Gondwana & Luciano Sousa gritaron hasta que no pudieron más a la música, la danza y las marionetas de Francia y Brasil.

Las compañías Marcela Escobar y Pe MelladoDanza de Chile tuvieron la oportunidad de mostrar obras de carácter experimental. Ana María Stekelman reafirmó su poderoso talento creativo plasmado en Tangokinésis (Argentina). Henrique Rodovalho, llegó con sus peculiares hallazgos en "Coreografía para oír" con Quasar de Brasil. Maguy Marin en "Los aplausos no se comen", compuso magistralmente una obra perfecta en la que el juego del poder, la violencia y la impotencia frente a sucesos cíclicos, fueron matemáticamente interpretados en acciones dinámicas que desafiaron la velocidad. Los coreógrafos mexicanos José Rivera, director de La Cebra Danza Gay y Tania Pérez Salas, directora de Mnemosine impactaron a la opinión pública con sus atrayentes personalidades.

Pese a que Jean-Jacques Aillagon, ministro de cultura canceló su participación en el desfile, pese a la huelga de los pilotos de Air France y otros inconvenientes, Guy Darmet logró una vez más efectuar un espectacular encuentro, esta vez, en honor a Latinoamérica.

Dance Yossi Yungman, una de las compañías representativas de la danza actual en Israel.
Foto: Gadi Dagon. Gentileza de ICDLI.