DEBORAH COLKER
La niña terrible de Brasil
Por Fátima Nollén (Londres)

En Brasil, la discusión sobre si lo que hacía Deborah Colker era danza, se terminó cuando la coreógrafa se convirtió en la primera brasileña en recibir el premio Lawrence Olivier (Londres, 2001) por sus sobresalientes logros en danza. Por un lado, en sus obras apela a movimientos atléticos, acrobáticos, deportivos, y por otro, en su currículum figuran estudios de piano, psicología, y una carrera en voleibol a nivel competitivo que parecen tener poco que ver con la danza. También cuenta en su haber con tareas dispares, muchas de las cuales continúan hasta hoy, como ser directora de movimiento de obras de teatro, coreógrafa de docenas de videoclips, desfiles de modelos y escuelas de samba. Tuvo entrenamiento formal en danza contemporánea con la uruguaya Graciela Figueroa y su grupo Coringa, del que Colker fue bailarina, coreógrafa y directora hasta que fundó su propia compañía a fines de 1993.

Pequeña y rubia, acostumbra a presentarse como la síntesis de todo lo que es y lo que hizo: mujer, madre, bailarina, judía y obsesiva del movimiento. Es, al hablar y al trabajar, una pila de energía. Incansable, investigadora, y entusiasta. A veces, parece disfrutar de incomodar a la crítica que no logra clasificarla, mientras se regodea en la tremenda popularidad que adquirió en casi diez años de trabajo en su país y en el exterior. Sólo en Brasil la vieron más de doscientas mil personas y sus temporadas alcanzaron hasta nueve semanas consecutivas en un mismo teatro. Sin duda, Deborah Colker se hizo su propio lugar en el mundo de la danza contemporánea brasileña donde resuenan nombres como el Grupo Corpo y Cisne Negro, sólo para mencionar algunos. Sus compromisos internacionales la llevarán a Washington DC, donde presentará su última creación, "4x4", en el Kennedy Center for the Performing Arts, desde el 19 al 22 de noviembre.

A pesar de su éxito, sólo tiene un único reparto, así es que si alguien se lastima, ese lugar debe ser distribuido entre el resto de la compañía, dado que prefiere trabajar "muy personalmente" con cada bailarín. El grupo funciona como una pequeña empresa, con el patrocinio exclusivo de compañía petrolera Petrobras. Además de bailarines y staff administrativo, hay ingenieros, diseñadores, iluminadores y músicos. "Antes -confiesa- quería que mis bailarines fuera gente de diferentes orígenes, modelos, actores. Ahora quiero que tengan una fuerte formación técnica. El ballet clásico es la base para todo tipo de movimiento. Necesito que mi gente realmente pueda moverse muy ágilmente. Trabajamos siete horas por día y hacemos clases de clásico y contemporáneo, que son en círculo, no por algo místico, sino porque considero que el espejo en otra persona es mejor que el espejo real para aprender y motivarse. Si alguien que tiene un currículum interesante se acerca para pedir que lo vea, lo invito a tomar clases con nosotros."

Cuando necesita bailarines convoca a audiciones multitudinarias a las que se presentan de entre cien y doscientas personas. "Creo que lo más importante en un bailarín es que sea abierto de cabeza y en "dehors", claro (se ríe). Pero cuando veo que un bailarín no puede darme más, no puede seguir creciendo, lamentablemente, tiene que dejar el grupo." Para la directora carioca, sin embargo, bailar tiene que generar placer, aunque haya competencia que "es natural para desarrollarse". Pero a diferencia de otras compañías de tendencia clásica, donde pareciera que el único objetivo es "ser mejor que los otros 70", en la suya, según dice, "los movimientos se piensan y se discuten de forma democrática". Y si en ello no hay placer, "mejor quedarse en casa con la familia", apunta.

Sus definiciones y propuestas siempre generan controversia. Un ejemplo de ello es que considera al actor Bruce Lee y al jugador de fútbol Pelé como los mejores bailarines "porque son precisos, definidos en su cuerpo y diseño de movimientos, son elegantes, pero por sobre todo, por la simpleza de sus movimientos". Más polémico todavía es el hecho de que aunque jamás usó zapatillas de punta, y desde que acostumbró a todos a sus audaces incursiones acrobáticas en el escenario, esta vez usa ese medio en una de las cuatro escenas de "4x4", en la que además, vuelve a su primer amor, el piano. Ella misma ejecuta una sonata de Mozart sin miedo a la crítica musical.

Su estudio está ubicado en una antigua fundición de hierro en el centro histórico de Río de Janeiro, con espacio suficiente para albergar las grandes instalaciones que son parte habitual de sus creaciones, como una enorme rueda de parque de diversiones para "Rota" (1997), una pared de gran altura con arneses usada en "Velox"(1995) y una estructura de andamios de dos pisos para "Casa" (1999). Allí también guarda las obras de arte que forman parte de "4x4", estrenado en julio de este año en el Festival de danza de Joinville, Brasil, el festival más importante del país.

La idea de "4x4" surgió cuando estaba presentando "Casa" en Nueva York (1999), en una muestra en el Museo Guggenheim. Allí decidió que su próxima obra estaría ligada a las artes plásticas. En este caso, invitó a cuatro artistas brasileños y a partir de sus obras, que ocupan espacios determinados, imaginó nuevos movimientos para cada uno. La idea fue encontrar nuevas posibilidades de bailar y de trabajar con el universo de cada pieza artística. En esta oportunidad, además de Gringo Cardía, que generalmente diseña sus escenarios, invitó a Cildo Meireles, al duo Chelpa Ferro y a Vitor Arruda, notorios representantes de las artes visuales.

El trabajo con el espacio es uno de los principales puntos en los que centra su investigación. "Me interesan los diferentes planos -acota-, por eso a veces la compañía tiene que recurrir a otras técnicas como kung fu o alpinismo, para prepararse para alcanzar las demandas musculares impuestas por un escenario distinto. Como dice Buda, me interesa el universo de cada cosa. Hablar coreográficamente de las cosas simples de la vida diaria, del mundo real, de los gestos y movimientos comunes, de lo que sucede alrededor. La danza contemporánea me ofrece el vehículo apropiado para contactarme con el mundo en que vivimos. Como dice su nombre, danza contemporánea es arte para ahora, por eso tengo que ser libre para usar la técnica clásica.

En sus otras obras no hay historia, sino impacto visual a través de movimientos simples que encantan al público. Como dice Colker, "nadie muere en "4x4", sólo asombra el riesgo de lo delicado, la emoción de la forma". Para esta obra la compañía de danza de Deborah Colker, trabajó un año y nueve meses y las limitaciones espaciales de bailar entre y con las obras de arte, les brindó un nuevo foco o nivel de concentración a los bailarines. Para Colker este es otro "aspecto fundamental en el trabajo diario cuando se es democrático".

"Pienso en el público todo el tiempo -afirma-. Escucho lo que dicen. Y sé que les gusta lo que hago porque se sorprenden. Claro que quiero atraerlos, pero no es lo que me mueve al decidir tal o cual movimiento o utilería. No me gustan las pretensiones. Me considero una niña que está haciendo algo lindo con otros quince chicos. Lo que quiero es comunicarme sin concesiones. Al final, hasta el día de la premier, nunca se sabe qué va a pasar con el público. Por ejemplo en Londres, que es la tercera vez que vengo, me siento más relajada, porque me entienden. Pero siempre prefiero que el público se ría a que se quede con la boca abierta."

Sin embargo, el público se queda con la boca abierta cuando en vez de bailar, la coreógrafa y directora toca el piano en "4x4". Mujer multidisciplinaria, talentosa, con dos hijos adolescentes, una casa enorme y cinco perros y las exigencias propias de dirigir una compañía de ballet. "Amo bailar y compartir la danza con mis bailarines. Respiro danza. Mientras pueda seguiré bailando. Lamentablemente el día tiene sólo 24 horas."

Invitados a la "Casa"
(Comentario sobre el espectáculo)
Por Fátima Nollén (Londres)

La compañía de la coreógrafa brasileña Deborah Colker, es habitué de los escenarios londinenses donde en los últimos años conquistó al público de forma inusual. Basta decir que al final de su presentación apertura en el Teatro Barbican hubo aplausos de pie, gritos y silbidos de aprobación y como todavía sonaba la música de fondo, la gente se unió a los quince bailarines en escena y batió palmas al ritmo por varios minutos.

Como parte del ciclo BITE-Dance Umbrella, Deborah Colker presentó su cuarto proyecto unitario, "Casa", estrenado en Río de Janeiro en 1999. Su marca registrada son enormes instalaciones con las que los bailarines interactúan, y como su nombre lo indica, para la realización de esta obra, usó una gigantesca estructura de tres pisos y cinco toneladas de peso, cuyas paredes, techos y pisos van abriéndose gradualmente, según la escena lo requiera, para mostrar acciones cotidianas fáciles de reconocer en cualquier hogar. El arquitecto y diseñador Gringo Cardía, es una vez más el autor de la escenografía, que se completa con la luz de Jorginho de Carvalho, dinámica y vertiginosa como la coreografía.

El lenguaje de Colker es atlético, exigente para los bailarines, y combina en esta obra movimientos de acrobacia, desafiantes de la gravedad y repeticiones obsesivas de gestos que representan el comer, vestirse, desvestirse, peleas familiares, alegrías, o son obvios como "literalmente" tomar una ducha. Dúos en contrapunto realizan las mismas secuencias en diferentes pisos de la casa. Otras veces, todos hacen algo diferente al mismo tiempo. Grupos que se arman y desarman ocupando cada espacio de la morada. Se baila en los techos y paredes como en un film de Fred Astaire, se cuelgan de barrales, se deslizan por tubos de bomberos para llegar nuevamente al escenario. La creadora sostiene que "bailar es ocupar espacios, es la arquitectura del movimiento", y eso hace. Se cubre todo el espacio real con movimientos simples pero arriesgados que marcan todos los planos posibles: vertical, horizontal, inclinado, de gran efecto en dúos, tríos y cuartetos. Tal vez la fórmula para ganarse al público donde sea que se presente, pero que divide a la crítica.

Los bailarines, exquisitamente formados y dotados, dan lo mejor de sí en esta obra, donde la propia Colker también baila. Hay armonía, cohesión y precisión. "Casa" es una idea abstracta, más que argumental, pero hay pasión y humor, todo acompañado por el fantástico vestuario de YamÍ Reis. Sin embargo, desde su estreno en Brasil, Colker revisó algunas secuencias y también la música utilizada en el '99. La dirección musical es de Berna Ceppas, Alexandre Kassin y Sergio Mekler.

Una recomendación: "Casa" es una obra que se disfruta mejor en teatros con poco ángulo lateral en la platea, es decir bien de frente, porque las columnas de la estructura pueden obstruir la visión completa.

Del modo en que la "Casa" abre sus puertas y ventanas al público, cierra sus puertas, igual que cuando una visita se retira de una casa. El público es el invitado. Y en materia de gustos, es el único que define cómo lo pasó en esa velada. En Londres, parece que muy bien.

BALLET MUNICIPAL DE LIMA
Blancanieves en tiempo de ballet
Por Vannia Ibargüen (Perú)

El Ballet del Teatro Municipal de Lima presentó para su temporada de Primavera 2002, "Blancanieves y los Siete Enanos", conocido cuento de hadas que ganó, con éxito, el cine y la televisión. Una historia que permaneció a través de generaciones de niños gracias a su trama en la cual triunfa el bien sobre el mal. Las funciones, que se realizaron del 25 de octubre al 3 de noviembre en el Teatro Peruano-Japonés de Lima (Perú), tuvieron, como era de esperar, una respuesta positiva por parte del público. La familia entera asistió a esta cita con la fantasía.

Los niños bailaron delante de sus butacas al ritmo de la alegre música de los enanos y de los adorables animalitos del bosque. Cabe resaltar la gran calidad interpretativa de los bailarines para lograr que los niños reconozcan a sus personajes favoritos en el escenario. Para su realización, la puesta contó con la colaboración del mismo coreógrafo que realizó la versión original: Boris Miagkov. Esta primera versión de uno de los cuentos de hadas más famosos de la historia, se realizó en Rusia en 1997 con la Compañía de Teatro, Ópera y Ballet del Teatro de Kazañ. Entonces, los roles principales fueron de E. Sheglova como Blancanieves, B. Smagulaev como el Príncipe, y L. Mukhametgaleeva como la Madrastra.

La música fue encomendada al compositor Karen Khatchaturian, hermano del célebre Aram, quien supo interpretar las ideas del coreógrafo con matices que resaltan los diferentes momentos de la obra. Así por ejemplo, las partes de las difíciles variaciones de los enanos contrastan, por su alegría, con el pas de deux romántico que baila en sueños Blancanieves con su príncipe. Por otra parte, los pasajes llenos de maldad de la Reina Madrastra y su séquito de cuervos, se oponen a la dulzura de las ardillas, los conejos, los mapaches, los ciervos y los pájaros del bosque. En síntesis, a los tiernos amigos que ayudan a Blancanieves en su huída por el bosque.

La historia, más que conocida, cuenta que Blancanieves había nacido un día de primavera, y sus padres, los reyes de aquel inmenso país, estaban muy orgullosos de su única heredera. La Princesa era muy feliz, hasta que un día su madre, la Reina, murió repentinamente. El Rey, exigido por las costumbres monárquicas, debió casarse nuevamente. La desafortunada elección cayó sobre una esposa egoísta y muy vanidosa que se deleitaba oyendo a su espejo mágico que sólo decía: "Sólo tú eres la mujer más bella de la tierra."

Cuando Blancanieves cumplió 15 años, su madrastra, no pudo soportar la belleza de la joven y, ciega por el odio, ordenó matarla. El cazador que debía cumplir esa tarea, no se atrevió a hacerlo y Blancanieves quedó abandonada en el bosque. Los animales del bosque, la llevaron a una pequeñísima casa donde vivían siete enanitos. Al ver frustrado su propósito, la madrastra de Blanca Nieves decide disfrazarse de vieja campesina y salir en busca de Blancanieves. Una manzana envenenada es la causa de la muerte de la princesa. No obstante, y tal como sucede en todos los cuentos de hadas, llegará el príncipe a romper el hechizo y despertará a la princesa con un beso.

Los protagónicos, en esta oportunidad, cayeron sobre los bailarines principales del Ballet del Teatro Municipal de Lima: Patricia Cano, Diana Silva y Gesell Izaguirre como Blancanieves. Vania Masías y Guadalupe Sosa encarnaron a la malvada Madrastra. Maikel Solas y Antonino Risica asumieron el rol de príncipe. La dirección general estuvo bajo la batuta de Lucy Telge de Linder y la dirección artística, a cargo del maestro Mikhail Koukharev.

NEDERLANDS DANS THEATER
Santísima Trinidad
Por Rosa C. Corral (Holanda)

Se lo podría comparar con la Santísima Trinidad: Tres compañías diferentes en una sola y verdadera. Su nombre y el de Jiri Kylian están íntimamente ligados; fue su director artístico durante veinticuatro años y también, el creador del NDT 2 y el NDT 3. El Nederlands Dans Theater (NDT) se fundó en 1959 en La Haya. Su primer director fue Benjamin Harkavy, a quien siguieron Hans van Manen y Glen Tetly. En 1971 Van Manen abandonó el NDT, pero la crisis dentro del grupo ya tenía su historia. Dos años más tarde, el entonces bailarín y joven coreógrafo del Stuttgart Ballet de John Cranko, Jiri Kylian, creó la primera coreografía para la compañía holandesa y en 1975 tomó las riendas de la dirección artística y sacó al ballet del bache en el que estaba.

Una de las medidas que tomó el nuevo director fue reemplazar paulatinamente a los bailarines que no le interesaban. Aquéllos de bajo nivel técnico o interpretativo o quienes, simplemente, no lograban acoplarse a las exigencias del nuevo jefe checo, fueron despedidos. Esta experiencia -según confesó Kylian- fue, en algunos casos, muy dolorosa pero necesaria para poner al grupo a la altura en que se puso en pocos años. De este modo el elenco que estaba compuesto casi exclusivamente por holandeses, acogía cada vez más a bailarines de otros países.

Las academias y escuelas superiores de danza holandesas no producían al "bailarín Kylian": un bailarín de gran perfección técnica, con cualidades líricas y dramáticas, educado a la vez en el clasicismo académico y en las técnicas modernas con énfasis en la Graham, muy flexible, rápido y ágil, sin olvidar, por supuesto, el sentido de la musicalidad. Para formar a los bailarines en este estilo, se creó en 1978, un segundo grupo dentro del NDT con el nombre "Springplank" (trampolín), que en realidad se asemejaba a una especie de escuela de posgraduados. Los mejores, pasaban al entonces llamado -simplemente- Nederlands Dans Theater o, para los de la casa, "el grupo grande".

El "trampolín" pasó a llamarse luego, en 1981, "NDT Juniors" y comenzó a perfilarse como grupo que también daba espectáculos. A medida que los "juniors" fueron adquiriendo reconocimiento, tanto en Holanda como en el extranjero, se consolida su estructura, evoluciona como entidad en cierta medida autónoma, con repertorio y características propias. De ahí que en 1987 su nombre volvió a cambiar para convertirse desde entonces en "NDT 2".

¿Una compañía con dos compañías? Puede parecer algo excepcional, pero lo que sí es un caso único es una compañía que alberga tres en su seno, y éste es el caso del Nederlands Dans Theater desde 1991, año en el que se creó el NDT3 para bailarines mayores de 40 años.

Los tres grupos del NDT, debido a la edad de los bailarines, se presentan ante el público como tres entes artísticos independientes. Asimismo el carácter de las coreografías es diferente en cada grupo. En el NDT2 las piezas son de gran dinamismo donde la rapidez y la acrobacia son ingredientes comunes. En el NDT1, el lirismo y la calidad interpretativa alcanzan la plena madurez, mientras que el repertorio del NDT3 consta de obras más teatrales en las que las cualidades dramáticas de los bailarines logran la máxima expresión; su experiencia hace que la danza se enriquezca en este sentido, aunque pierda en dificultad física.

El NDT 2 consta de catorce bailarines con edades comprendidas entre 17 y 22 años. Su director artístico es el norteamericano Gerald Tibbs. El NDT 1: treinta y dos bailarines cuyas edades oscilan entre los 22 y los 40 años. Su director es el estadounidense Glenn Edgerton. De los cinco bailarines que forman el NDT3, ninguno es holandés. Su director es el danés Egon Madsen. La directora artística del Nederlands Dans Theater es la holandesa Marian Sarstädt que sucedió a Kylian en este cargo en 1999. Los tres grupos tienen sus coreógrafos favoritos que crean especialmente piezas para ellos, aunque algunos como Jiri Kylian, Hans van Manen o Paul Lightfoot igual se adaptan a unos como a otros a la hora de coreografiar.

MONACO DANCE FORUM
Baile en el principado
Por Noemí Grau (USA)

Luminarias de la danza de todo el mundo, el público en general y la familia real de Mónaco se reunirán para celebrar una segunda edición del Mónaco Dance Forum que se realizará en Mónaco desde el 10 hasta el 14 de diciembre. La presentación de la muestra coreográfica "The International American Choreographers Showcase," se suma a una larga lista de espectáculos de danza que se presentarán en varios teatros del Grimaldi Forum, centro cultural que será la sede de esta celebración.

Un programa variado y ecléctico donde intervienen compañías internacionales como el Nederlands Dans Theater (Holanda), el Centre Choréographique de Caen (Francia), Rennie Harris Puremovement (Estados Unidos), Kneehigh Theatres Company (Gran Bretaña), como también realizadores de cine–danza y danzas aborígenes. Cinco días en los que el público, bailarines y coreógrafos vivirán un maratón de espectáculos que se caracterizan por la diversidad de las formas y tendencias coreográficas actuales y por diferentes estilos que van desde el neoclásico, contemporáneo, danzas de distintas partes del mundo, hip-hop, danza teatro y cine-danza.

Este festival internacional propone una diversidad de actividades relacionadas con la danza y otras formas del arte, también incluye en su programación seminarios para jóvenes donde se dictan clases de hip-hop, teatro, crítica de danza, reuniones y debates diarios. Una variada producción de trabajos que incluyen nuevas tecnologías audiovisuales, forman parte de los concursos que se realizarán durante estas cinco jornadas. A ello se sumarán muestras de cine y video referidos a trabajos coreográficos.

El Mónaco Dance Forum culmina con una función de gala en la que miembros de la familia real de Mónaco y destacadas personalidades entregarán el Premio Nijinsky 2002 al mejor trabajo coreográfico, al mejor coreógrafo, al mejor coreógrafo emergente, al mejor bailarín y a la mejor bailarina del 2001. (Ver recuadro). Los nominados, creadores y bailarines, fueron seleccionados en treinta y ocho países por ciento cincuenta periodistas de todo el mundo, un jurado y críticos de danza. Los ganadores del premio serán designados por un comité de ciento veinte personalidades de la danza y por el voto del público en internet.

Una muestra especial

"The International American Choreographers' Showcase", una presentación de Dance-Forms Productions ofrecerá dos programas en la Sala Nijinsky del Grimaldi Forum como parte de las actividades programadas para el festival. Estos dos programas integran coreografías de Sherese Campbell, Enrique Cardenas, Rafael Carrico, Louis Kavouras, Cláudia Martins y Susana B. Williams. Cada uno de estos coreógrafos tienen características particulares en sus historias profesionales, como también dentro de sus planteos creativos. Desde 1994, año en que fundó City Dance Company, la maestra y coreógrafa Sherese Campbell dedica la mayoría de su tiempo al entrenamiento riguroso de sus jóvenes bailarines. Después de hacer estudios de danza en la Fundación de Danza Ruth Page de Chicago y con los maestros Larry Long, Lou Conte y Maria Talchief, Campbell ingresó con una beca de estudios en la compañía Dance Theater of Harlem. Este año recibió el premio a la mejor coreografía otorgado por el Consejo para las Artes de Houston, Texas. En Mónaco, la City Dance Company interpretará "Jitterbug" y en "Intrigue Suite," ambas coreografías de Campbell en las que también introduce el talento creativo de Enrique Cárdenas, bailarín y coreógrafo formado en esta compañía.

Coreógrafos, maestros y bailarines portugueses, Cláudia Martins y Rafael Carrico, presentarán "Lamento" y "Valse Triste." Las dos obras exploran temas universales de actualidad. Ambos egresaron con honores de la Escuela Superior de Danza de Portugal y estudiaron en la Hoggenschool Dansacademie en Tilburg. En junio del 2001 recibieron el Gran Premio Phillip Morris en la competencia internacional de Ballet y Coreografía de Helsinski y en mayo de este año abrieron la escuela de Danza Tutu Ballet.

Louis A. Kavouras, jefe del departamento de danza de la Universidad de Nevada en Las Vegas, fue bailarín principal y coreógrafo de la compañía Erick Hawkins y miembro de la facultad de la escuela de la misma compañía. Kavouras presentará "Joe…This Infinite Solitude", un solo para un bailarín, un actor y una proyección de video. La obra forma parte de una serie de trabajos de danza que el coreógrafo empezó a crear en el año 2000. El trabajo será estrenado en su integridad en el Festival de Edimburgo en agosto de 2003.

Una nueva creación coreográfica de la coreógrafa, maestra y bailarina Susana B. Williams, "Tiempo y Eternidad", también formará parte de los dos programas de la muestra coreográfica "The International Choreographers' Showcase" que se presentará el 10 y el 13 de diciembre en el Mónaco Dance Forum. Esta obra apunta a romper las barreras culturales para rescatar la condición esencial de la danza. Williams, además, es miembro del jurado calificador del Premio Nijinsky 2002.

Simone Orlando y Jones Henry en "Scheherezade", una nueva versión creada por John Alleyne, director del Ballet British Columbia.
Foto: David Cooper. Gentileza de BBC.

"EL CASCANUCES" EN USA
Nunca falta, nunca falla
Por Maritza Gueler (USA)

Un clásico que representa el desafío de coreógrafos y bailarines, obra insoslayable de Navidad que se convirtió, a través del tiempo, en una tradición. "El cascanueces" se estrenó por primera vez el 5 de diciembre de 1892 en el teatro Mariinskii de San Petersburgo, la coreografía original fue de Lev Ivanov, el libro de Marius Petipa y la música de Piotr I. Tchaikovsky. Los intérpretes de aquella memorable presentación fueron Antonietta Del’Era, Pavel Gerdt, Olga Préobrajenska y Nicholas Legat en los roles principales.

Inspirada en el cuento de E.T.A. Hoffman, publicado en 1819, "El cascanueces y el rey de los ratones", la obra no sólo es el ballet esperado por los niños y los padres, sino también, uno de los principales proyectos anuales de las compañías de ballet. Fuente de ingresos indiscutible para las arcas que, durante el año, deberán sobrellevar un presupuesto que les permita crear nuevas producciones. El New York City Ballet comenzará el 29 de noviembre con su "Georges Balanchine’s The Nutcracker" para finalizar el 5 de enero con un promedio de 46 funciones. Cifra similar cubrirá el Boston Ballet desde la misma fecha. En otras compañías como el San Francisco Ballet, el Atlanta Ballet o el Pittsburg Ballet, la cantidad de funciones oscilan entre 40 y 25 en esta temporada. "‘El Cascanueces’ -comenta Fernando Bujones, director del Orlando Ballet- es el pan y la manteca en el presupuesto de las compañías."

Cuando en 1944, el entonces director del San Francisco Ballet, William Christensen, estrenó en los Estados Unidos la primera versión completa de este ballet, se inició una nueva era para este clásico que nunca antes había cruzado el océano. Aquella primera realización, puntapié inicial y modelo a seguir, tuvo un presupuesto de $ 1.000 dólares. Los miembros de la compañía aportaron las telas para los trajes y con sólo $ 5 dólares lograron comprar, en casas de usados, flores artificiales, plumas y piedras. Las cortinas del año anterior que se usaron en el teatro de San Francisco, se convirtieron en los uniformes de los soldados. Después del estreno, el 24 de diciembre, Merrill Osenbaugh, del periódico "Sacramento Union" escribió: "No podemos entender por qué algo de tan fantástica belleza y originalidad pudo producirse en Europa en 1892 con gran éxito y nunca se produjo completo en este país hasta 1944. Tal vez a partir de ahora, los coreógrafos recuperen el tiempo perdido". En menos de 50 años las puestas de "El Cascanueces" saltaron a 150 en los Estados Unidos.

Con vaivenes marcados por la economía, las producciones de este clásico se van sumando, de la misma manera que crecen los presupuestos y las recaudaciones de la taquilla. La inversión oscila entre $ 35.000 y $ 3 millones de dólares en el caso de hacer una puesta totalmente nueva. Las recaudaciones varían de acuerdo con la cantidad de funciones y el precio de las entradas. En algunos casos pueden llegar a $ 7.5 millones de dólares. Algunas compañías descartan las giras rotundamente. Otras, en cambio, llevan sus producciones a diferentes ciudades del país. El American Ballet Theatre, por ejemplo, todos los años tiene su cita en Los Ángeles, California y lleva a sus bailarines a los escenarios de Hollywood y Orange County con la versión de su director artístico, Kevin McKenzie.

En la convocatoria a audiciones para seleccionar a los niños que participan en la obra, la cantidad supera los pronósticos. Más de doscientos niños intentan subir al escenario para formar parte de ese fantástico cuento. "He trabajado en estas selecciones desde que estrenamos la obra por primera vez en 1989 -dice Sharyn Word, Ballet Mistress del Nashville Ballet- y siempre hemos tenido que suplantar a los varones por las niñas. Sin embargo este año estoy realmente sorprendida, porque el interés de los niños para formar parte de la producción, ha crecido notablemente." Realizaciones como las del New York City Ballet convocan ciento cincuenta bailarines y músicos, y alrededor de cincuenta niños de la School of American Ballet. "El Cascanueces", también tiene su espacio entre grupos no profesionales, Camila Ron, con apenas cinco años, fue uno de los pequeños ratones del primer acto, en una producción realizada en su escuela con orientación artística. "Lo que más me gusta -confiesa- es cuando el mago llega con los juguetes para los chicos; me gustan los ratones y la escena de Clara cuando sueña que está en países hermosos. Desde que empecé la escuela, cuando era chiquita, todos los años hicimos ‘El cascanueces’. Me gustaría ser uno de los amigos de Clara para poder jugar con ella."

Las compañías apuntan un promedio de cien mil espectadores por temporada, y a esto habría que agregar las cifras de promoción y venta de objetos relacionados con la obra. Más allá del aspecto comercial que adquirió en los Estados Unidos, la faz artística tiene peso propio cuando los coreógrafos o los bailarines tienen la palabra. "El trabajo con esta obra -reflexiona Septime Webre, director artístico de The Washington Ballet- unifica el estilo del grupo y es una gran oportunidad para los bailarines de la compañía y de la escuela para crecer como intérpretes y como artistas." La escenografía, en muchos casos, exhibe árboles de Navidad gigantescos cuya altura varía entre los 4 y los 13 metros. Con la intención de mantener la obra siempre fresca y renovada, el Atlanta ballet todos los años incluye nuevas coreografías y vestuarios. Si bien los cambios no son radicales, siempre incluyen detalles diferentes.

"He bailado muchas versiones de ‘El cascanueces’ -confiesa Bujones-, desde las más tradicionales hasta la de Baryshnikov, y me enriqueció mucho bailar con las más grandes bailarinas del mundo. En mi versión de esta obra he podido usar los recursos de un pasado que me pertenece para hacer una coreografía que tenga un poco de todo lo vivido en mi carrera y también, mi toque personal. El elemento más importante que he querido rescatar, es el niño que todos tenemos adentro y nunca deberíamos de perder. Tal vez el desafío que propone un ballet como este, es mantenerlo vivo coreográficamente. ‘El cascanueces’ fue el primer ballet completo que monté en mi primer año con el Orlando Ballet y fue el principio de la evolución de la compañía, por esa razón tiene un significado muy especial en mi corazón."

Para los bailarines que recién comienzan, "El cascanueces" es, de alguna manera, un hito dentro de sus carreras. La posibilidad de aprender diferentes roles es un rito especial para todos los bailarines que recién se inician. Los maestros preparadores disfrutan al ver la evolución de sus discípulos, los ven crecer año tras año a través de los diferentes roles. En su primera experiencia en una compañía profesional, Laura Nicoll (19) debutará con el Pittsburg Ballet en un año especial, en el cual la compañía abandona la versión de Balanchine y pone en escena la de su director, Terrence S. Orr. "Estoy aprendiendo muchos roles para esta producción -afirma Nicoll con entusiasmo-. Es fantástico ser parte de este proceso de producción. El director vino al estudio con una enormidad de ideas y de líneas argumentales y fue trabajando con nosotros. Cuando tenía 11 años fui Clara, y luego de esa función decidí que sería una bailarina profesional."

Desde el punto de vista coreográfico,-sobre la base de Petipa-Ivanov-, la obra ofrece una variada gama de exquisiteces y fantasías y un desfile de personajes maravillosos que llegan para enaltecer el mundo de la fábula. A ello se suma la sublime partitura de Tchaikovsky que interpreta a la perfección ese mundo de los sueños en el que se sumerge Clara, espacio donde vive su gran experiencia de mujer.

Un premio para Michele Jiménez

La primera bailarina de The Washington Ballet, Michele Jiménez, recibió un premio de la Fundación Princesa Grace, galardón otorgado también en otras disciplinas como el teatro y el cine. Todos los años, la fundación creada en honor de la Princesa Grace de Mónaco, intenta otorgar una ayuda a los artistas para que puedan continuar con sus objetivos artísticos. Creada en 1982 por H.S.H. Príncipe Rainiero y su familia, la fundación ofrece becas de diferentes categorías (intercambio, asistencia en el pago de los aranceles de estudio y otros) que permiten a los artistas continuar con su formación y entrenamiento.

"Michele Jiménez es una de las más destacadas bailarinas con las que he trabajado -afirma el director artístico del TWB, Septime Webre-. Ella posee una asombrosa técnica y un enérgico compromiso para trabajar duramente y ponerle a una particular sensación de alegría por bailar. A todo lo que hace le imprime una especial exuberancia. Es una satisfacción trabajar con ella."
La joven y promisoria bailarina nació en Santo Domingo, República Dominicana, y este es su tercer año en la compañía dirigida por Webre. Encaró roles principales en varias obras de la compañía, incluida "Carmen", un rol creado especialmente para ella. Jiménez fue bailarina principal del Ballet Clasico Nacional, recibió entrenamiento en la Academia de Ballet de Magda Corbet, en The Washington School of Ballet y clases privadas durante varios años con Armando González. Reibió el Premio Casandra por ser la mejor bailarina de danza clásica y moderna (República Dominicana, 1997 y 1998). Con The Washington Ballet presentó obras de Marius Petipa, George Balanchine, Antony Tudor, como también de obras con sello contemporáneo creadas por coreógrafos como Paul Taylor, Twyla Tharp, Jiri Kylian, Nacho Duato, Trey McIntyre, Val Caniparoli, Lila York, Septime Webre y Choo-San Goh.