HOMER ÁVILA, BAILARÍN Y COREÓGRAFO
"Difícil es bailar a los 40"
Por Maritza Gueler (USA)

En marzo del 2001 el diagnóstico fue irrevocable: cáncer. El único camino era la cirugía, con el resultado de la amputación total de su pierna y cadera derechas. No obstante, Homer Ávila, en ningún momento pensó que no volvería a bailar. No sabía cómo iba a hacerlo, pero tenía la certeza de que lo haría de una manera o de otra. Quizás, la prueba más dura del destino.

Después de haber trabajado como bailarín "freelance" en compañías como las de Twyla Tharp o Momix y con coreógrafos como Mark Morris, Bill T. Jones o Ralph Lemon, se encontraba ante un nuevo desafío. Luego de seis semanas y media en el hospital y de un período de rehabilitación a través de fisioterapia, empezó con sus clases de ballet. No habían pasado dos meses cuando se fue a Hawai a tomar un curso de técnica de colocación. "Allí aprendí cómo colocarme sentado y parado. Fue una meditación muy profunda sobre mi nuevo cuerpo."

Cuando llegó el verano del 2001 sorprendió a Alonzo King con un llamado: quería integrarse al seminario de verano dedicado a alumnos avanzados. A King le pareció demasiado apresurado para empezar con tanta exigencia técnica. "Si espero hasta el próximo año he perdido un año de desarrollo", le dijo Ávila sin titubear, con tono pausado, casi angélico. King dijo que sí, subyugado por ese hombre de 40 años que quería seguir bailando. "Alonzo entendió que mi mente y espíritu ayudarían al cuerpo a sobreponerse con las tareas, para lograr adaptar las cosas y aprender lo esencial. En ese seminario empecé los primeros pasos de mi nueva vida. Cada momento, cada paso era muy difícil, más difícil de lo que yo podía hacer, pero la idea no era hacer ‘pirouettes’, lo principal era saber cómo manejarme con mis propios sentimientos de miedo. Eso fue lo más importante de ese curso, hacer lo que uno puede hacer con lo que uno tiene." En el último día de ese seminario, Homer Ávila bailó por primera vez. Cuando terminó, buscó sus muletas y vio que estaban del otro lado del salón. "¡Cómo mis muletas llegaron tan lejos!", pensó.

A principio de diciembre del 2002, y luego de varios meses de intensa actividad, viajes a diferentes partes del país, espectáculos y clases, Homer Ávila hacía sus maletas para viajar a Alemania. Allá lo esperaba Dana Caspersen para iniciar los ensayos de una obra que estrenará con el Ballet Frankfurt.

Primer hijo nacido en los Estados Unidos, de una salvadoreña y de un hondureño radicados en Nueva Orleáns. Empezó a bailar cuando tenía 20 años, casi por casualidad, mientras estudiaba en la Universidad de Tennessee. En uno de los semestres tuvo que optar entre tomar clases de lucha libre o danza. La elección no fue difícil. Hasta entonces, poco conocía de danza, pero allí estuvo.

DANZA: ¿Por qué te decidiste por la danza?
Homer Ávila: En esa primera clase que tomé en la universidad supe que me había encontrado con mi futuro. Si bien antes no había visto espectáculos de danza, sentí algo que me tocó el corazón. Comencé a bailar en un bar que se llamaba "La cantina", recuerdo que era música muy fuerte, y así empecé a sentir el movimiento del baile en mi cuerpo, con esos pasitos me inicié. Allí tomé conciencia de que la danza era algo muy profundo en mí y cuando tuve la oportunidad de tomar clases de ballet se reforzó ese sentimiento. Aquel verano, en lugar de regresar a Nueva Orleáns, me quede en Tennessee para tomar clases con un coreógrafo de Nueva York. Al final del curso me invitó a ir a la ciudad y me dijo que él pensaba que yo tenía un futuro en la danza, si estaba dispuesto a entrenarme y a hacer el esfuerzo que significa ser un bailarín. Con esa invitación y sin saber nada, hice mis oraciones y me fui a Nueva York. Y ya pasaron 20 años.

D: ¿Qué pasó en tu casa cuando dijiste que te dedicarías a la danza?
HA: Ohhh! ¡Fue dramático! Muchos latinos, especialmente los centroamericanos, no conocen mucho sobre las artes y para mi madre era impensable que dejara el colegio para hacer danza. Se me hizo muy difícil. Mi madre no podía entender por qué lo quería hacer. Pero finalmente ella comprendió que esa decisión estaba en mi corazón y esa fue la razón por la que, de alguna manera, me concedió la posibilidad de dejar la escuela para dedicarme a la danza. Mi madre aún se preocupa porque sabe que la vida en el arte es muy difícil.

D: ¿Cómo fueron tus primeros contactos con las compañías en las que trabajaste?
HA: Mi reconocimiento creció poco a poco; muchos me llamaban para bailar y otras veces, les encargaba trabajos a los coreógrafos. Así me fui relacionando.

D: Después de trabajar en compañías reconocidas internacionalmente, ¿cuáles fueron las enseñanzas que recibiste de ellas?
HA: He tenido la suerte de trabajar con los coreógrafos que considero que son lo máximo en el mundo de la danza, cada uno de ellos crea un mundo entero. Ellos toman un pensamiento y lo profundizan, llegan hasta el fondo y continúan hasta que encuentran cuál es el sentimiento correcto. Eso es el arte, ir tras tus intuiciones y pensamientos y acercarse a ellos desde diferentes ángulos, cocinar todo eso, ponerlo junto con la música, la coreografía, la iluminación, el vestuario. Lo que aprendí de los coreógrafos con los que trabajé me ayuda en esta etapa de mi vida. Ellos me enseñaron que no es importante tenerlo todo sino que lo más importante es tomar conciencia de las limitaciones. Hay que tener muy claro lo que no puedes hacer y focalizarte en ver las posibilidades que tienes dentro de esas limitaciones. Es en ese momento cuando empiezas a hacer el movimiento y la danza genuina y auténtica. Otra cosa que aprendí es que no importa lo que dicen los críticos sino que lo importante es estar bien dentro de uno y estar convencido de lo que uno está haciendo. No se baila para el éxito.

D: Pero de alguna manera, el éxito tiene su peso…
HA: Lo importante es buscar por dentro lo que habla en tu interior, y si lo encuentras, el público lo va a reconocer. Eso es esencial. La danza trasciende el idioma, la religión, la edad. Cuando el movimiento del cuerpo es genuino, ese lenguaje lo entienden todos. De esa forma, la gente puede salir del teatro y tener la danza viva en su mente y en su espíritu. Por eso la danza es más importante que el cine. El cine, igual que un caramelo, te lo pones en la boca y se derrite, en cambio la danza tiene la posibilidad de cambiar a la gente.

D: ¿Cuántos espectáculos hiciste desde tu operación?
HA: Desde octubre del año pasado he hecho cuatro solos y dos en grupo con coreografía mía. Todo empezó con Alonzo (King). Al principio fue sólo una idea. ¿Quién podía saber lo que pasaría? Mi intención no era hacer una obra de danza sino investigar qué era lo que se podía hacer con este cuerpo. A Alonzo le gustó ese desafío e hicimos un buen trabajo juntos. Luego comencé a consultar con otros coreógrafos.

D: Este espíritu que te lleva a seguir peleando contra las dificultades, ¿es un rasgo de tu personalidad?
HA: Creo que lo he tenido en el pasado, pero siempre con muchas dudas. Mis intuiciones me hablan con mayor intensidad ahora, ellas son las que guían mis pasos y sé que todo lo que viene a mis ojos tiene una razón, ya sea porque tengo algo para aprender o algo para dar. Ahora no pregunto tanto y tampoco tengo las dudas de antes. Cada cosa que me pasa o cada intuición que tengo, por algo es.

D: ¿Cómo peleas con tus depresiones?
HA: Cuando estoy deprimido, trato de descansar más, de comer algo bueno y rico, y dejo que pase ese tiempito así, porque sé que el próximo día voy a tener un poco más de energía y que la depresión va a pasar. Es difícil. Tampoco puedo decir que no estoy deprimido, lo estoy, pero tengo que seguir. Gracias al Señor he aprendido mucho.

D: ¿Y cuál es el balance después de 20 años?
HA: La gente cree que lo difícil es bailar con una sola pierna, pero no, lo más difícil es bailar a los 40 años. A esta edad podría haber terminado, sin embargo, todavía el espíritu de la danza está en mi alma. Para los humanos, la danza es como para las aves poder volar. La danza es el vuelo. Y cuando tienes una buena coreografía es como la realización de la vida.

"THE DANCING GOURMET" RECIPES TO KEEP YOU ON YOUR TOES! LIBRO DE LYNDA HYME
Viva la danza, viva la panza
Por Maritza Gueler (USA)

Ya en la barra, en primera posición, los "Appetizers", también llamados "entrée" en francés o "entradas" en español. El "Pas de Soupe" viene en la segunda posición, y a partir de allí, el trabajo de precalentamiento comienza a hacerse más sofisticado. Ensaladas en la tercera, diseños vegetarianos para la cuarta, y para la quinta, en el centro del escenario, el despliegue del plato principal. En la sexta posición, un viaje al país de los dulces termina con una clase de danza y sabores que Lynda Hymes se ocupó de desglosar a través de largos años de experiencia en uno y en otro bando. "The Dancing Gourmet. Recipes to Keep You on Your Toes!", no es un libro de recetas dietéticas dedicada a los bailarines, tampoco es una guía nutricional para mantenerse en forma, es, simplemente, un libro del buen comer. Con fotos realizadas por el fotógrafo Derek Gaffney, el libro hace un recorrido por una variedad de platos que pertenecen a la cocina china, japonesa, europea y mediterránea. "Este es un libro internacional, igual que la danza", acota Derek.

Sabores, olores, colores y texturas diferentes, se suman en esta colección de más de cien recetas "saludables" que sirven de guía y modelo para los bailarines y también, para los que no lo son. Casi una historia de vida que se plasma en la experiencia recogida de viajes a diferentes partes del mundo y también de años de entrenamiento dentro del mundo de la danza. Si la historia comenzara con el tradicional "Había una vez…", se podría decir que Lynda Hymes comenzó a cocinar a los 8 años. Su padre le había asignado un menú con sus precios respectivos y todos los días le tocaba hacer un plato distinto. Allí comenzó a ganar sus primeros dinerillos, apenas unos centavos simbólicos que la estimulaban a seguir. "Ese fue mi primer restaurante", confiesa. Después, sus clases de ballet, la escuela secundaria y la universidad la tuvieron muy ocupada durante un largo período. Linda tenía como objetivo ser una bailarina profesional, y lo logró. Pasó por la School of American Ballet en Nueva York, bailó durante 15 años en el Pennsylvania Ballet Company, San Francisco Dance Theatre y como "principal dancer" en el American Ballet Company y en el Ohio Ballet.

Fue justamente en Ohio donde logró alquilar un departamento amplio, con una cocina grande. "Esa fue la primera posibilidad que tuve en muchos años de comprar sartenes y cacerolas sin pensar en el espacio -confiesa- y comencé a coleccionar más recetas y a desarrollar mi propio estilo." Cada vez que compraba un nuevo libro de cocina hacía una fiesta con sus compañeros de la compañía para que probaran sus nuevas recetas. En Ohio también, encontró el amor. Por entonces, Derek Gaffney era dueño del único bistró que había en la ciudad. Allí iban todos los bailarines del Ohio Ballet después de las funciones para escapar de la comida "chatarra" de las típicas cadenas de restaurantes americanos. Cuando se conocieron, ella le comentó que quería hacer un libro de cocina y allí comenzó la historia de "The Dancing Gourmet. Recipes to Keep You on Your Toes!". Linda ya tenía un borrador con todas sus recetas. Sabía que algún día las organizaría. Así fue surgiendo la idea de hacer algo para los bailarines, sin ser excluyente.

Mientras la idea se "cocinaba", Linda dejó de bailar y se fue a Londres para alistarse en la más clásica y prestigiosa escuela de cocina del mundo: Le Cordon Bleu Ecole de Cuisine. Cuando volvió, trabajó en restaurantes en Nueva York y en San Francisco y comenzó a hacer "catering" en tándem con Derek, quien se ocupa de hacer las fotos para las ocasiones especiales. Ya decididos a hacer el libro soñado, pusieron manos a la obra. En el estudio de su antigua casa: luz natural, comida real y recién preparada. De la cocina al estudio en un abrir y cerrar de ojos. Hoy, el libro recibió el premio Gourmand World Cookbook por la mejor fotografía e ilustración. "Tratamos de mostrar cada uno de los platos como algo sencillo de hacer -dice Derek-, sin que la foto intimide. La idea era proponer comidas que no llevaran mucho tiempo, que no fueran complejas como para que un amateur pueda hacerlas sin complicaciones y sin sentirse intimidado."

La presentación fue durante el famoso International Ballet Competition de Jackson, Mississippi. En tres meses vendieron más de 6.000 ejemplares. Parte de las ganancias de las ventas están destinadas a Career Transitions for Dancers, una institución sin fines de lucro que se dedica a apoyar a los bailarines retirados. También se extendió esta idea entre las escuelas de danza y muchas de ellas están usando el libro como un medio para obtener fondos. "Es muy difícil obtener dinero para las artes -dice Derek- y vender un libro de cocina no es lo mismo que pedir dinero. Además, el libro puede ayudar a los padres de los bailarines jóvenes. Es muy importante que los bailarines coman realmente bien." Si bien el mundo de la danza es el mercado primario en el que se sustenta la venta del libro, no es el único. El objetivo es llegar a otros grupos y ampliar el mercado.

Comer bien, rescatar los sabores y el placer de la comida son los ejes de este libro. Por otra parte, también se presenta como una nueva alternativa para que la comida no sea un pecado. "Creo que muchas veces habría que decir: no te preocupes sobre los valores nutritivos de la comida, aquí tienes los platos que puedes comer y piensa en el sabor", afirma Linda, convencida de que ése es un buen camino para mantenerse saludable, sin vivir torturado por los gramos de más o de menos, por las calorías y por el porcentaje de fibra o de grasa que contiene cada alimento. "Disfrutar de la comida es parte del propio bienestar -continúa-. La danza es lo suficientemente dura como para no disfrutar de lo que se come. Creo que no hay que tener miedo de la comida."

En contra del fantasma de la bulimia y la anorexia, en contra de la obsesión por comer y de la idea del hambre permanente que suele atormentar a los bailarines, "The Dancing Gourmet. Recipes to Keep You on Your Toes!" propone revalorizar el placer de disfrutar los sabores y la frescura de las comidas para estar fuertes a la hora del entrenamiento diario. "El único camino para tener una dieta exitosa es algo que no se sienta como una dieta. Lo importante es tener un verdadero acercamiento a una forma de cocinar que la puedas llevar durante toda tu vida sin preocuparte ni estar estresado por la comida y la dieta. La idea es poder disfrutar de la comida y de la danza. En la medida que elijas la comida correcta ya no estarás condicionado psicológicamente para tener hambre todo el tiempo. Por eso la he denominado cocina gourmet y divertida."

	Itzik Galili, director artístico de la compañía Galili Dance. Foto: Karel Zwaneveld. Gentileza de Galili Dance.

Un premio para Itzik Galili
(Holanda)

Itzik Galili, director artístico de la compañía Galili Dance, recibió el Dutch Choreography Award 2001/2002, premio que se otorga cada dos años a los coreógrafos que desarrollan su trabajo durante un largo período en el campo de la danza de Holanda. El premio se entregó durante el Nederlandse Dansdagen in Maastricht. En la lista de coreógrafos que recibieron esta distinción en años anteriores figuran nombres como el de Hans van Manen, Jirí Kylían, Toer van Schayk, Rudi van Dantzig, Krisztína de Chatel yand Ed Wubbe.

El premio de coreografía lo otorga, desde 1985, la Association of Theatre and Concert Hall Managements (VSCD). El jurado argumentó su elección, en la trayectoria del coreógrafo cuyo primer trabajo se presentó en 1991 en Felix Meritis, Amsterdam. Por otra parte, la compañía Order 8, integrada por bailarines de diferentes compañías de Israel interpretó las obras ("Double Time" y "Kloofv"). Galili, a su vez, trabajó con importantes compañías de Holanda como el Het Nationale Ballet, el Nederlands Dans Theater, Scapino Ballet Rotterdam y Reflex. Como coreógrafo invitado también trabajó en compañías de Europa, América y Asia. En estos 10 años elaboró un amplio repertorio y recibió un reconocimiento formal en 1997 cuando fue nombrado director artístico de la compañía Stichting Noord-Nederlandse Dans / Galili Dance en Groningen.

Cuando Itzik Galili llegó a Holanda, hace más de 10 años, su trabajo sobresalió y constituyó un aporte a la danza en el país. Problemas sociales, violencia e imágenes de la Guerra, cobraron intensidad en sus obras. Galili elaboró una estética diversa y apuntó a las emociones de la audiencia. Su compañía encontró su espacio en el público del norte de Holanda.

El coreógrafo, que nació en Tel Aviv, se inició en danzas folklóricas para luego tener un acercamiento más estrecho con la danza contemporánea a través de la Bat Dor Company, y posteriormente con la Batsheva Dance Company. Su carrera trascendió las fronteras de Israel de un modo casi autodidacta hasta que, finalmente, compuso su primera obra coreográfica, "Double Time", en 1990. A nivel internacional, su nombre fue reconocido a través de "The Butterfly Effect", obra que ganó el premio del público en la International Competition for Choreographers in the Netherlands.

Más de cuarenta obras forman parte de su trabajo como coreógrafo, entre ellas: "Between LÖ" (1995), "See Under X" (1997), "Below Paradise" (1997)y "The Drunken Garden" (1999). Este nuevo premio que significa un reconocimiento a su labor.

Para los chicos
(Venezuela)

El Ballet Contemporáneo de Caracas, dirigido por la primera bailarina y coreógrafa venezolana, María Eugenia Barrios, finalizó sus presentaciones del programa didáctico multimedia "Ven a Danzar". Este ciclo estuvo integrado por una serie de funciones dedicadas a los niños de las escuelas públicas que se realizaron en la Casa del Artista. Más de ciento doce mil estudiantes asistieron a estos espectáculos que fueron gestados con el propósito de despertar el interés de los jóvenes por la danza.

"Ven a danzar"convoca a niños de 6 a 15 años y permite un acercamiento novedoso, entretenido y dinámico al mundo del movimiento mediante una combinación de baile, pantomima, música, luces, video, diapositivas y los recursos de los grandes espectáculos. Un viaje por la expresión corporal del hombre desde de la prehistoria hasta la actualidad, en el que se detalla el origen de la danza ritual, la danza folclórica, el ballet clásico, la danza contemporánea, el jazz, el flamenco, la gimnasia artística, el patinaje sobre hielo, la comedia musical y otros géneros. Los bailarines ejecutan fragmentos de danzas de diferentes estilos que forman parte del repertorio de la compañía y también, del repertorio clásico.

Este programa fue escogido por el Ministerio de Educación, Cultura y Deportes, para ser incorporado a la educación artística en las escuelas a escala nacional y está auspiciado por el Consejo Nacional de la Cultura y la Fundación CITIGROUP.

Concursos en el Colón
(Argentina)

Con un jurado que reúne figuras indiscutibles de la música y la danza, el Teatro Colón comenzó un proyecto que durante varios años trajo serias controversias dentro de los cuerpos estables de la institución. A partir de diciembre comenzarán los concursos abiertos para cubrir numerosas vacantes en su Orquesta Estable, la Filarmónica de Buenos Aires, el Coro, los cuerpos de baile y los maestros internos. De esta manera, el primer coliseo de Buenos Aires instaura, luego de una década, una modalidad de selección que logrará romper con el anquilosamiento de la administración pública. La selección se realizará de acuerdo con los antecedentes y el rendimiento en las audiciones para cubrir los puestos en las diferentes organizaciones artísticas que posee la institución.

Este procedimiento permitirá elegir ciento un artistas que cubrirán cargos en las áreas mencionadas. Estas vacantes se habían producido debido al congelamiento en el ingreso al sector público iniciado en 1992, y fueron cubiertas gradualmente por personal contratado. La convocatoria a estos concursos registró novecientos trece inscriptos.

El jurado está formado por figuras de la talla de Fernando Hasaj, Raúl Candal, Antonio De Racco, Salvador Ranieri, Mariano Frogioni, Manolo Juárez, Alexander Iakoblef, Pablo Saraví, Gerardo Gandini, Jorge de la Vega, Rafael Gíntoli, Pía Sebastiani, Andrés Spiller, Esmeralda Agoglia, Luis Roggero, entre muchos otros. Esta renovación artística busca mantener el nivel y la jerarquía que hicieron de este teatro un faro de excelencia en el mundo a lo largo de casi un siglo.