La compañía holandesa Galili Dance clausuró la tercera edición del festival de danza contemporánea de Bilbao, Dantzaldia, con su espectáculo "For heaven’s sake". El coreógrafo israelí Itzik Galili construye este poético alegato a favor de la paz, brillante broche de oro del certamen bilbaíno. El montaje, de una hora de duración, se compone de tres partes diferenciadas encaminadas a poner de relieve la esterilidad de cualquier conflicto bélico. Una decena de bailarines desgranan los pormenores de la coreografía firmada por Galili, quien, a su vez, dota de música en vivo, interpretada por un quinteto, a su pacifista pieza. El público que asistió al Palacio Euskalduna, de pie, ratificó con vítores y aplausos tan sentida denuncia a la irracionalidad de la guerra.

Itzik Galili tuvo que hacer frente al dilema de cómo trasladar al lenguaje coreográfico el horror derivado de la guerra. Desde el sentimiento de rechazo a la violencia, el creador israelí plantea un tríptico: la autoflagelación, la lucha tribal y las horribles consecuencias del conflicto bélico. Se inicia el espectáculo con una pareja de bailarines que se golpea con sus propias manos. A medida que incrementan el ritmo de su castigo, el cuerpo se va enrojeciendo y la conciencia del espectador queda marcada, a sangre y fuego, por la virulencia de esas lesiones.

Una decena de bailarines -Yaron Barami, Shimrit Kovalio, Laura Lohi, Jussi Noussiainen, Luc Richard, Stephen Shoropshire, Philipp Stummer, Ivonne Weschke, Sara Wiktorowicz y Hilde Mulder- irrumpe en escena con unos tambores que desprenden un haz de luz, que cumple a su vez las funciones de foco, en el preciso momento en que el espectador ya no soporta ni un instante más del macabro ritual de autoflagelación. El grupo se fragmenta en dúos, claramente iluminados. Los bailarines entran en el escenario al tiempo que saltan, empujan, golpean, pisan, enganchan sus piernas como aros y cruzan ansiosamente sus brazos para conseguir abrazar sólo el vacío. No se permiten un respiro. El diseño de luz los fuerza a cambiar de lugar una y otra vez. En este entorno, la danza se torna visceral, vibrante y vital. La fuerza de la percusión musical ilustra esta lucha tribal cuya finalidad es esbozar, en clave de danza, el "fragor de la batalla".

"For heaven’s sake" encara su última escena con una demostración de las desgarradoras consecuencias de la guerra: enfermedad, hambre y muerte. Los jinetes del Apocalipsis cabalgan de nuevo. Galili se nutre de diversa simbología, a veces, bíblica, para narrar los horrores derivados de la beligerancia humana: bailarines con prótesis ortopédicas ponen el acento en la mutilación de extremidades, la hambruna se ceba en la cola de supervivientes que, en ocasiones, comparten el pan judío, para entablar áridas discusiones por una hogaza del necesario sustento, y carteles, cual piezas de puzzle, que, combinados, exponen citas existenciales. El coreógrafo israelí controla los tiempos y orquesta de tal manera la coreografía del grupo, que la atmósfera se va intensificando gradualmente. Aquí, gracias también a los cinco músicos, que, con flauta, sitar y percusión, trasladan al espectador hacia el universo creativo de Itzik Galili, con una presencia liviana. A su vez, los bailarines rompen las barreras de las prótesis con ingeniosos movimientos y arriesgadas peleas.

"Ahora estoy aquí, pero tú no. Una parte de ti se queda conmigo, vive en mi. Tú vives en mí. Camino hacia ti y tú vienes", breve fragmento del desgarrado poema con el que un bailarín despide el espectáculo. El amor se postula como el bálsamo para aliviar las heridas que cualquier superviviente porta en el interior de su alma. Esas bellísimas palabras, enunciadas por un solitario bailarín lisiado, se posan en lo más profundo del corazón del espectador, quien, a esas alturas, ya está completamente absorto por la exquisita coreografía-denuncia de Itzik Galili.

Magnífica elección del Dantzaldia para la clausura de su tercera edición. El festival bilbaíno parece haber definido sus grandes líneas maestras, cuyos principales ingredientes han sido un toque de flamenco ("Amargo" del bailaor Rafael Amargo), una pizca de espectáculo infantil ("El país sin nombre", Roseland Musical), un pellizco de producción nacional ("L’animal a l’esquena", Mal Pelo) y un aliño de vanguardias internacionales ("ShowRoomDummies" de Groupe DACM y "For heaven’s sake" de Galili Dance). Una sutil combinación de elementos que, en el caso del estreno español de la compañía holandesa, supone un acierto a añadir a la breve existencia del certamen vizcaíno. El público certificó la calidad del trabajo de Galili Dance, ensimismado aún por los clamores de las trompetas de Jericó, pidió paz en vez de estéril guerra.

MINOTAURO
Antonio Canales: por el tamiz del flamenco
Por Noemí Sabaté (España)

La compañía de Antonio Canales, en su décimo aniversario, decidió celebrar con una creación un tanto particular. Debutaron en septiembre en La Bienal de Flamenco de Sevilla y en el emblemático Teatro Lope de Vega, pasaron por el Teatro Novedades de Barcelona y luego seguirán la gira por el exterior. El espectáculo, de casi dos horas, estuvo formado por dos partes. La primera, albergó "Minotauro", 42 minutos en los que Canales no abandona el escenario. Tras una pausa, la compañía ofreció un espectáculo de flamenco tradicional, "Suite Flamenca".

Dice la mitología que Pasifae, esposa del rey Minos, se enamoró de un toro bravo, Zeus, y fruto de esa unión contranatural, nació el Minotauro, un monstruo que fue confinado a vivir en un laberinto del cual no podía escapar. El bailarín y coreógrafo convirtió este mito en una metáfora de la lucha del hombre por el bien y el mal. El Minotauro es la vida laberíntica de cualquier ser, la lucha constante del hombre consigo mismo. Una batalla individual entre el bien y el mal que lo conduce a salir del laberinto. Canales, con la colaboración de Juan de Juan, transporta la obra a la vida contemporánea, y se anima a tocar temas que son tabú en el mundo del flamenco. El alcoholismo, el maltrato, la bisexualidad subyacen de manera directa o indirecta en esta realización.

"Minotauro", insiste en la temática taurina, ya abordada por el bailaor en "Torero"; y en la mitológica, a la que se acercó, en distintas ediciones del Festival de Teatro Clásico de Mérida, con obras como "Narciso", "Venus" y "Prometeo". Es un espectáculo vanguardista que se aleja de los cánones del puro flamenco en baile y música. Si bien Canales se rodea en la escena de ocho bailaores, dos cantaores-Antonio Suárez "Guadian" y José Luis Carmona-, dos guitarristas, un cajón y un violín, hay fragmentos de música pop y rock, en inglés. En cuanto a lo coreográfico, se advierte una gran influencia del ballet contemporáneo, en movimiento, formas y posturas. Esta nueva expresión del flamenco de Canales, totalmente alejada del tradicional, dejó muy desconcertado al público de Barcelona, hasta llegar a la intolerancia de los más puristas. La promesa que hizo ante los medios de comunicación, quedó sobradamente cumplida: no dejó indiferente a nadie. La escenografía es sumamente compleja, basada en cadenas y elementos que, de alguna manera, representan planos opresivos. Canales adaptó la coreografía flamenca a los tiempos del teatro o del cine: momentos cortos e intensos.

En la segunda parte, la compañía mostró un espectáculo de flamenco en estado puro que hizo vibrar al público. En el escenario, preparado con dos cantaores, tres guitarras, un cajón y un violín, al más puro estilo andaluz, fueron apareciendo cada uno de los cuatro bailaores: Juan de Juan, David Paniagua, Nacho Blanco y Paul Vaquero, que realizaron una interpretación formidable. El joven Juan de Juan mostró al público su gran talento, sobre todo en la segunda parte cuando bailó sólo. El público entusiasmado se levantó de sus sillas gritando "¡Bravo!". El punto final, la guinda del pastel, fue un solo de Antonio Canales, que recordó al público el verdadero mito del flamenco. Antonio Canales es fuerza, es clase, es baile. Después de una vida dedicada a la danza, el bailaor sevillano ya prevé la retirada de los escenarios, una retirada que quiere que sea como su aparición en el mundo del flamenco: despacito y suave "como el humo".

ALVIN AILEY AMERICAN DANCE THEATRE
Ritos y virtuosismo
Por Célida P. Villalón (USA)

Vitalidad, ritmo y emoción, son los adjetivos que mejor definen a los integrantes del Alvin Ailey American Dance Theatre. Desde hace varios años, bajo la dirección de Judith Jamison -quien en su época fuera la musa indiscutible de Ailey-, hay oportunidad, cada mes de diciembre, de admirar a la compañía en las cuatro semanas de actuación que ofrece en el City Center de Manhattan. Esta vez hubo estrenos y reposiciones, además de los aplaudidos clásicos de Ailey, así como una gala especial para festejar a Masazumi Chaya, director artístico asociado, por sus 30 años de labor con la compañía.

"Black Milk" es una obra para cinco hombres, fue compuesta en 1985 por Ohad Naharin, sobre música de Paul Smadbeck, y vestuario de Rakefet Levy, para la Kibbutz Contemporary Dance Company. Durante este vehemente rito tribal, cada hombre sumerge ambas manos en un cubo que intercambian entre sí, las pasan luego por la cara y el cuerpo hasta mancharse con franjas de color oscuro. Clifton Brown, Jeffrey Gerodias, Jamar Roberts, Matthew Rushing y Glenn A. Sims, ejecutan danzas misteriosas, espectaculares y masculinas, donde el lodo que se han untado en el cuerpo parece ser determinante en su estado emocional.

En un cambio total de atmósfera, "Treading", estrenado en 1979 con coreografía de Elisa Monte, con partitura musical del repetitivo Steven Reich, presenta a una pareja escultural que luce sugestivo vestuario de Marisol. Interpretada por los magnéticos Linda-Denise Fisher-Harrell y Clifton Brown, ambos se enredan y desenredan entre ellos, mientras crean formas esculturales y evocan con sus brazos aves exóticas de gran belleza, prontas a alzar el vuelo. La pose final, intrincada a la par que atrayente, rinde tributo a la profundidad de sus sentimientos.

"Apex", otro estreno de la temporada, es una composición original de Francesca Harper, inspirada en una partitura electrónica de Rolf Elmer, y según reza el programa, "está dedicada a todos los que salen en defensa de la dignidad humana y la libertad". El vestuario de Epperson confunde el mensaje, ya que una bailarina aparece vistiendo un escaso traje de cuero, cinturón con tachuelas plateadas y botas altas de charol, que no son precisamente una muestra de la dignidad humana.

La aplaudida coreógrafa Lynne Taylor Corbett estuvo representada en la programación por su nueva composición, "Prayers from the Edge", que lleva acompañamiento de Peter Gabriel -de su álbum "Passion"-, y apropiado vestuario de Judanna Lynn. La historia es una tragedia similar a Romeo y Julieta, en la cual los amantes, Linda Celeste Sims y Brown, con hermosas viñetas coreográficas llenas de gran pasión y fluidez, hacen patente su amor mientras desafían las fuerzas que tratan de separarlos. Asha Thomas, como la Plegaria por la Paz, y Matthew Rushing y Bahiyah Sayyed-Gaines, simulando la Plegaria por la Supervivencia, vibran de emoción en sus relevantes intervenciones, mientras tratan de salvar a los amantes que, en fin de cuentas, sucumben a manos de los contrarios.

No podían faltar algunas de las obras de Ailey que le dieron una identidad definida a la compañía: entre ellas, "Love Songs", cuyas palabras quedaron plasmadas en movimiento con los amplios gestos del intenso Gerodias. "Cry", dedicado a las "mujeres negras, especialmente a nuestras madres", dio oportunidad a la majestuosa Fisher-Harrell de convertir en danza las tribulaciones de quienes las sufren en silencio, y finalmente, la sempiterna "Revelations", considerada la "marca" o "firma" del conjunto, sobre música de gospel, entonada por un coro mixto en grabación electrónica, volvió a reafirmar el enorme potencial de esta joya exquisita.

Grandes cosas esperan al Alvin Ailey American Dance Theatre en sus nuevos y amplios predios del centro de Manhattan, que a un coste de varios millones de dólares, incluirán además una escuela. La inauguración se anticipa para el año 2004.

BALLET DEL SODRE
Entre cisnes,gitanos y tangos
Por Tito Barbon (Uruguay)

En un gesto plausible, el Consejo Directivo del SODRE (Servicio Oficial de Radiotelevisión y Espectáculos) decidió ofrecer como regalo de fin de año: siete funciones gratuitas a los fieles balletómanos uruguayos. En éste "annus horribilis" para el país, la idea fue bien recibida por el público que desbordó la sala del Auditorio y aplaudió a rabiar un espectáculo de variados gustos.

El segundo acto de "El Lago de Los Cisnes" abrió el programa. Hacía mucho tiempo que el Ballet Nacional del SODRE no representaba la obra; un clásico de tremenda exigencia técnica y estilística. Eduardo Ramírez, director del conjunto, introdujo algunos cambios en la coreografía, que favorecieron la versión y los bailarines se comportaron con cierta homogeneidad. Aunque debe asumirse con modestia, que en la actualidad, el elenco oficial no está en condiciones de abordar esta obra dignamente.

Rimsky-Korsakov creó efectos innovadores en la brillante orquestación de sus obras, así como Pablo Picasso inventó nuevos modos de expresión o de interpretación de culturas diferentes con el Cubismo. No es casual que nuestro recordado escenógrafo y diseñador Carlos Carvalho, haya encontrado en ellos las formas y colores del bien inspirado vestuario para el "Capricho Español". Cuando el telón se alzó, Alicia Carballo proyectó sobre el panorama una figura alusiva a "Les damoiselles d’Avignon", al tiempo que se iluminaron los trajes de Carvalho reproduciendo la esencia de esa imagen. A ello se sumaron los movimientos angulosos de la coreografía de Ramírez, lo cual permitió rememorar la primavera de 1907 en París, cuando el movimiento Cubista nacía. Muy bien iluminados por Batlle Da Cunha desfilaron majos, jotas y sobre todo, dos gitanos bien plantados y con garbo: Patricia Martínez y Alejandro González.

Después del deslumbrante colorido orquestal y visual del español capricho, irrumpió el tan de moda baile ciudadano rioplatense, el "Tango". Con ironía Madame Chanel hubiera agregado: "Las modas pasan, sólo el estilo permanece". Pero el tango, quejándose en el sonido del bandoneón, continúa su andar sentimental, agrisado y austero. La escenografía: un farol y un banco. En la escena dos personajes vibrantes, precisos, sensuales encarados por Sofía Sajac y Luis Ramos. Él, "compadrito" (hombre jactancioso, provocativo y pendenciero), sinuoso, liviano en los saltos, ensombrecida su cara por el "gacho" (sombrero) negro que, lamentablemente, cuando los caprichos de la luz la revelaba, mostraba la expresión severa del "malevo arrabalero" (hombre matón y pendenciero que vivía en barrios marginales). Ella, la "percanta" (mujer), controla su poderosa fuerza interior porque "en el tango el macho manda". Sumisa ante el desaire, firme en la embestida, los pómulos salientes que acentuaban los matices del rostro que, sin gesticular, realzaban el expresivo discurso de piernas y puntas de acero con musicalidad excepcional.

Cuando Ramírez estrenó este Pas de Deux en el 2000, lo tituló "Tangueando", y lo hizo con dos piezas de Astor Piazzolla, vocabulario académico y algunas pinceladas "canyengues" (manera especial de bailar e interpretar el tango). Más tarde agregó otro título de Piazzolla y tres parejas de bailarines para terminar, a manera de Coda con el himno tanguero, "La Comparsita", del uruguayo Gerardo Matos Rodríguez, sin que por ello la obra creciera.

El último programa de la Temporada de Ballet 2002 puso de manifiesto una vez más el potencial de los bailarines; aunque comienza a notarse la ausencia de algunos valores y se anuncian otros para el 2003. Curiosamente, como por ósmosis, el Ballet del SODRE logró conformar un formidable equipo de artistas con notable proyección escénica, cualidad que no poseen muchos conjuntos con técnica, estilo y disciplina superiores a éste. Es posible que estén necesitando encontrar su propio perfil artístico. Perfil que contemple las posibilidades y limitaciones del conjunto. El equilibrio sería, tal vez, una buena solución.

THE FOUNDRY
El valor de la búsqueda
Por Maritza Gueler (USA)

	"The Fleshing Memory", una obra experimental realizada por el grupo The Foundry. Foto: Alex Ketley. Gentileza de Yerba Buena Center for the Arts.

Dos funciones a sala llena y con localidades agotadas fue el resultado del último estreno de la compañía The Foundry como parte del programa "Bay Area Now 3" que se realiza en el Yerba Buena Center for the Arts de San Francisco. "The Fleshing Memory" es una obra de danza multimedia creada por Christian Burns y Alex Ketley. En el hall de entrada, una serie de pantallas de televisión, muestran escenas relacionadas con la obra. En la sala, en un espacio no convencional en el cual el público rodea el cuadrilátero donde se desarrolla la pieza. Dos parvas de papeles arrugados, ubicados en dos rincones opuestos, ofician de escenografía.

La obra, producto de un trabajo de investigación, improvisación y experimentación, es una combinación de danza, teatro, texto y video. Su objetivo: hacer una meditación sobre la percepción de la memoria. Música electrónica y ciertos efectos acústicos semejantes a sonidos de la naturaleza, en algunos casos, generan un clima estático y contenido. Cuando se apagan las luces, sobre las dos pantallas de video ubicadas sobre las parvas de papeles, se proyecta la imagen de un hombre que corre por un campo, con diferentes intensidades y actitudes corporales. La proyección de esa escena permanece durante largos minutos, tal vez excesivos, y sin resolución aparente. Diversas secuencias visuales continuarán hasta el final de la obra coreográfica a modo de acompañamiento alegórico.

Mientras la proyección en la pantalla continúa, un haz de luz marca una diagonal sobre el espacio escénico. Desde uno de los rincones, a contraluz, aparece una de las bailarinas, Andrea Flores, e inicia un largo y lento camino que la llevará hacia el lado opuesto, lugar donde la espera otro bailarín, Ketley, con quien iniciará un diálogo corporal de gestos contenidos y quebrados. Flores, bailarina que formó parte de las huestes de Alonzo King’s Lines Ballet, y es frecuente compañera de Homer Avila, realiza un trabajo que –con las limitaciones de la obra– es, sencillamente, excelente. Delicados brazos, pies magníficos y una sólida estructura.

Ketley, cubre su rostro y su cuerpo con papeles, hasta quedar totalmente envuelto en ellos, rodeado por cinta adhesiva. De esta manera, y durante toda la obra, peregrinará amarrado por esos papeles que no le permiten ver y que limitan sus movimientos. Un interesante solo se desarrolla a través de esa diagonal que, por momentos, deja de estar iluminada para dar lugar a otros espacios de la escena. Cuando llega el final de la obra, Ketley logra desembarazarse de esos papeles que, de alguna manera, le impidieron avanzar.

Nick Yagoda, con movimientos espásticos también cruza ese camino diagonal donde converge quizá, la soledad de la memoria. Intenso trabajo corporal que rompe los cánones tradicionales del movimiento. Un banco ubicado en el medio de uno de los lados de ese cuadrilátero cobra sentido y razón de ser cuando Summer Lee Rhatigan comienza a leer un texto con atractiva cadencia, medida entonación y una hermosa voz. El recurso de introducir textos, es frecuente en The Foundry, tal como puede serlo en innumerables compañías de danza moderna.

El resto de los bailarines, Torsten Z. Burns, Rita di Lorenzo, Marina Hotchkiss, Anthony Luensman, Derek Powel y Nick Yagoda, van apareciendo, por turno, a veces en dúos o en tríos, para continuar con el mismo estatismo y la misma diagonal donde comenzó la primera escena en vivo. La sólida formación clásica de los bailarines es el punto más interesante de esta obra que, sin ellos, se caería, irremediablemente. Los intérpretes, vestidos en ropa de calle, calzados con zapatillas deportivas, utilizan sus recursos corporales para transitar una gestualidad posmoderna que, sin embargo, carece de fuerza dramática y poética.

Groupe DACM
Arriesgadas "Top models"
Por Iratxe de Arantzibia (España)

Rotundidad es la principal característica de "ShowRoomDummies", espectáculo de la compañía francesa Groupe DACM, penúltima cita de la tercera edición de Dantzaldia, festival de danza contemporánea de Bilbao. El Palacio Euskalduna acogió esta artística y original propuesta, que parte de una profunda reflexión sobre el lenguaje del cuerpo humano y del maniquí, utópico ideal de la perfección de belleza. De factura impecable, el montaje, de una hora de duración, presenta a cinco bailarines que vagan por los terrenos de lo animado y lo inerte. Gustó y sorprendió este espectáculo de hondos planteamientos psicológicos, cuidada estética y fino lenguaje coreográfico.

El punto de arranque del montaje es el desorden, aquel que puede crear un cuerpo vivo en la frontera de lo inanimado que, sin embargo, suscita la pasión por su simple y única presencia, inmóvil y provocativa. Los textos "Ivonne, Princesse de Bourgogne" (W. Gambrowicz) y "La Vénus á la Fourure" (L.von Sacher-Masoch) proporcionan los personajes de Ivonne y Wanda, respectivamente, arquetipos inspiradores de la coreografía. Por su parte, Ivonne, a la que se une el príncipe por provocación, se muestra en la corte generando escándalo, horror y repulsión hasta lo insoportable. A pesar de su naturaleza taciturna y su inmovilidad, consigue encarnar todos los defectos, e inquieta a la gente al mostrárselos, por ser el vivo reflejo de sus propios vicios.

El texto de "La Vénus á la Fourure" cuenta como protagonista a Severine, quien, envuelto en un torbellino de deseo, se desvive por una estatua de Venus para encontrar después a una mujer, Wanda, a la que manipula de manera masoquista hasta que encarna esta Venus para él. Ella suscita, a su vez, el conflicto erótico. Yvonne y Wanda tienen en común que crean el desorden con su sola presencia. Su inercia se manifiesta, por la ausencia de reacciones en el caso de Yvonne, y por el carácter glacial de una Wanda con apariencia de estatua. Estos dos personajes comparten su existencia pasiva en un entorno que, a la vez, es capaz de romper los mecanismos psicológicos -e incluso sociales- de sus manipuladores y escapan a su propia naturaleza de instrumentos en manos ajenas.

Un maniquí de escaparate es un ser humano vulgarizado. Propone una imagen de perfección, pero nunca lo consigue. Y, aunque no es absolutamente real, apela a la imaginación del espectador. Constituye un lienzo en blanco sobre el que se proyecta su deseo, incluso su rechazo. La coreografía juega con la alternancia de roles en la persona del bailarín: por un lado, representa un ser humano en toda su extensión, y por el otro, encarna un maniquí. Así, el lenguaje de la danza se inspirará en una doble fuente. El vocabulario del cuerpo, en el que se incorpora el uso de máscaras, y el movimiento robótico del maniquí. De este modo, los creadores Gisèle Vienne y Etienne Bideau-Rey confeccionan una coreografía que produce, al final, una mezcla sin fin entre bailarines y cuerpos artificiales: todos ellos maniquíes con un lenguaje común. Sin duda, el trabajo realizado en función de la dual calidad de movimiento (ser humano-maniquí) resulta impecable, así como la construcción del patrón de conductas a través del cual, en un par de segundos, el bailarín rota dentro de su doble personalidad escénica.

La compañía gala demuestra una preocupación sin igual por el aspecto plástico de su montaje. El espacio escénico, cuidado hasta el más mínimo detalle, presenta una hilera de sillas ocupadas por una quincena de seres inertes. ¿Son seres humanos o maniquíes? Gracias al movimiento, se descubre la naturaleza de cada uno de los elementos en escena. Finalmente, serán cinco los bailarines-marionetas -Jonathan Capdeville, Olivier Balzarini, Yves-Noel Genod, Marie-Caroline Hominal y Hélène Iratchet-, intérpretes de este original "ShowRoomDummies".

Sin embargo, el dúo de coreógrafos exime a sus maniquíes danzantes de una introspección de sus sentimientos. Toda la interioridad de los personajes se halla en su superficie. No hay nada más que lo expuesto en ese escaparate público que es el escenario. Pero esto encierra una trampa. Vienne y Bideau-Rey traspasan la carga emocional al espectador. El "travestimiento", malformación y "marionetización" de los bailarines, la crudeza de la música y la sobria puesta en escena confluyen en una amalgama de sentimientos, desde la comicidad, hasta el erotismo y la repulsión, que genera una sensación de desasosiego en el público asistente. No se trata de un espectáculo complaciente, ni mucho menos. No se buscan innecesarias concesiones al público.

Directa, dura e impenitente, "ShowRoomDummies", obra de la compañía gala DACM (Grenoble), remueve los espacios recónditos del alma del espectador. El bilbaíno festival de danza contemporánea, Dantzaldia demuestra así su osado compromiso con las vanguardias coreográficas. Si bien, el fin último del arte no consiste en proporcionar placer a su público, no es menos cierto que arriesgadas apuestas como este universo de "top-models" de cartón piedra requieren una gran sensibilidad y conocimiento del mundo de las artes escénicas. Aunque ello no sea óbice para tildar de magnífica la confección de esta colección de danza de "haute-couture", no apta para públicos más cercanos al "prêt-à-porter" en materia de baile.